La vie cinéphile

Jane Eyre (Cary Fukunaga) 7,35

2012-02-09T23:14:00.003+01:00

basierend auf einem Romanklassiker, den ich nicht kenne (genauso wie keine der zahlreichen Verfilmungen)

Regisseur Fukunaga hinterließ mit Sin Nombre einen guten Eindruck, und er versteht es auch hier wieder, das Publikum mit viel Kompetenz von Beginn an in den Bann der Geschichte der jungen Waisin zu ziehen. Sitzt man in der Originalversion, fällt es aber schon schwer, den sicher tollen Wortgefechten zu folgen; ob es nur daran liegt, dass sich der Film nach einer gewissen Laufzeit etwas zieht? Wenigstens überschlagen sich spät dann doch noch völlig unerwartet die Ereignisse…

Wie soll man so eine Literaturverfilmung bewerten, ohne sie historisch einordnen zu können: wurde es hier „besser“ gemacht als in bereits existierenden Verfilumgen? Lohnt es sich nicht ohnehin mehr, das Buch zu lesen? Was bleibt und beurteilt werden kann, ist eine gut gemachte und gespielte Romanze bzw. (hier doch eher oberflächliche) Entwicklungsgeschichte, deren letzte Szene von Fassbender schon sehr pathetisch und fast trashig gespielt ist.

I come with the Rain (Trần Anh Hùng) 7,70

2012-02-08T17:24:00.005+01:00

Verstörend beginnt es: was nach einer Art Polizeiübung aussieht, ist eine höchst unangenehme, für den von Josh Hartnett verkörperten Cop höchst traumatische Szene, deren Konsequenz zunächst noch nicht absehbar ist…

Was man danach zu sehen bekommt, ist eine Art Noir-Film um einen abgewrackten Cop, in schäbig aussehenden DV-Bildern gedreht. Hartnett nimmt man diese Rolle, diesen eigenartig-düsteren Film nicht gleich ab, aber es ist doch ganz nett zu sehen, wie ein eher mainstreamiger Star in einem derart massenuntauglichen Projekt agiert.

Während die im Hintergrund schlummernde Rückblende um die traumatische Erfahrung mit einem verstörenden Serienkiller (die ärgsten Szenen des Films lassen "Seven" wie einen harmlosen Familienfilm wirken) richtig reinhaut, ist die gegenwärtig angesiedelte Geschichte um einen verschwundenen jungen Mann und eine Hure, die von einem ultrabrutalen Hübsch-Gangster entführt wird, auch mal etwas zäh. Gegen Ende offenbart sich dann plötzlich eine Jesus-Geschichte(!), die fast schon grenzalbern ist: doch Hung ist auch ein visionärer Regisseur und kratzt die Kurve: er scheut keine extremen, abstoßenden Szenen und bleibt zugleich ungemein poetisch.

Schon mit Filmen wie Der Duft der grünen Papaya und vor allem Cyclo konnte Hung faszinieren; in Cyclo war übrigens eine der stärksten Szenen mit Radioheads Creep unterlegt, und auch in diesem Film kommen Radiohead (gleich dreimal) zum Einsatz, dazu auch stimmungsvoller Postrock von Godspeed You Black Emperor und Explosions in the Sky: teilweise wirkt das auch etwas forciert, schadet der Sympathie aber auch nicht.

I come with the rain ist soghaft und faszinierend, und wenn auch der letztliche Clou vielleicht etwas zuviel ist, die düster-schäbige Neo-Noir Atmosphäre ist eindrucksvoll; diese Kreaturen, die der Serienkiller (Elias Koteas schwankt in seiner Paraderolle als Psychopath zwischen mördercreepy und halt auch ein bisschen übertrieben) aus den Leichen(teilen) bastelt, werden einem wohl nie mehr aus dem Kopf gehen.

Es ist bewundernswert, wie arg der Film teilweise ist; daher auch nichts für die meisten, im Endeffekt auch nicht ganz so genial wie es sich zwischendurch anfühlt, aber ein trotz Schwächen und einer gewissen „B-Stimmung“ traumhaft eigenes Werk.

Inside Job (Charles Ferguson) 8,10

2012-02-07T17:18:00.002+01:00

Abgeklärt-ruhige Doku über das Entstehen der Finanzkrise und die vielen riesigen Blasen, die durch diese völlig entartet wirkenden Bank-Praktiken entstanden.

Das übliche „talking heads“-Konzept wird hier so umgesetzt, dass die Anzahl der Redner sowie jene der kurz angerissenen Player extrem hoch ist: eine notwendige Maßnahme, die die Komplexität eines solchen (hier im Film in den USA verwurzelten, aber globalen) Themas gut charakterisiert.

Der Film ist in der OV nicht immer so leicht zu verstehen und generell ist es sicher nicht einfach, zwei Stunden diesem Finanzkrimi zu folgen - doch man muß es ja auch nicht unbedingt am Stück ansehen. Fesselnd und erhellend ist das allemal.

Hanna (Joe Wright) 4,80

2012-02-06T16:54:00.002+01:00

Unkonventioneller Agentenfilm, der oft sehr cool inszeniert ist und daher auch vielversprechend scheint. Was eventuell witzig intendiert war, wie manche Nebenfiguren mit ziemlicher Sicherheit belegen, mutet aber leider auch (zu) trashig an. Joe Wright, zuletzt noch beeindruckend den Roman Atonement umsetzend, gelingt es nie abseits bemerkenswerter visuell-akustischer Qualität eine tiefergehende Spannung zu erzeugen; am Ende bleiben die melodramatischen Momente bzw. der Storyhintergrund nur seltsam losgelöst von der stylishen Oberfläche und wirken deshalb umso leerer. "Hanna" ist ein eigenartiger Film, der schon viele gute Momente hat, aber fast noch mehr blöde…

Essential Killing (Jerzy Skolimowski) 7,45

2012-02-05T13:42:00.004+01:00

Eine pure Survivalstudie vor dem Hintergrund des „war on terror“. Doch fast überraschend gibt es hier kaum Politisches, sondern dieses faszinierend radikale Animal von einem Film zeigt wirklich nicht mehr als einen Mann, der um seine Freiheit wie ein Tier kämpft: durchaus also mit Eintönigkeitspotential, allerdings auch sehr lässig, wie Gallo sich hier durchkämpft, -beißt, -tötet, -frisst und -saugt(!).

So etwas wie Menschlichkeit und Hilfe gibt es in so einer Welt nur von einer (hübschen, alleine im Wald lebenden, stummen? !) Frau - was auch immer uns das sagen soll...

A dangerous method (David Cronenberg) 7,60

2012-02-03T23:54:00.003+01:00

Cronenbergs (preisverdächtig bescheuert übersetzter) Freud-Film ist ein Film über Jung mit Viggo Mortensen als Freud in einer Nebenrolle. So eine spielt übrigens auch Vincent Cassel als triebgesteuerter Analytiker, der sich von Jung therapieren lässt bzw. ihn selbst therapieren will. Der Humor kommt nicht zu kurz und das tut dem im Grunde düsteren Drama um den Kampf zwischen Trieben und Unterdrückung auch gut. Wobei man natürlich auch konstatieren könnte, dass man aus diesem Stoff etwas Intensiveres machen hätte können (warum muß ich jetzt an den kürzlich verstorbenen madness-Maestro Ken Russell denken?).

Doch so, wie Cronenberg es gemacht hat, ist es, in dieser gesetzten Reife, auch sehr okay und streckenweise fesselnd. Knightleys Darstellung der hysterischen Neurose wirkt zu Beginn auch etwas an der Grenze zum selbstzweckhaften Overacting, doch sie macht das schon ganz gut. Die Differenzen zwischen Freud und Jung werden erst gegen Ende mehr zum Thema, leider klingt der Film parallel dazu etwas langatmig aus und die arge Dialoglastigkeit wird (allerdings erst) in diesen letzten Minuten etwas mühsam und uninspiriert. Insgesamt ist das alles nicht gefährlich, etwas dunkel und ziemlich gut.

Genova (Michael Winterbottom) 7,34

2012-02-02T17:47:00.004+01:00

Verluste von Familienmitgliedern sind derzeit immer wieder mal das zentrale Thema von Filmen (jüngst etwa auch bei The Descendants), und ähnlich wie in Pablo Traperos „Born and bred“ gibt es auch hier einen schrecklichen Autounfall zu Beginn und intensiven Verlustschmerz. Nach dem Tod der Mutter zieht der britische pater familias mit seinen beiden Töchtern (die eine in der Pubertät, die andere noch ganz Kind) nach Genua - eine Luftveränderung als möglicher Katalysator fürs Wieder-Zurechtfinden in einer so bedrückenden Situation…

Dieses Drama des vielseitigen Filmemachers fühlt sich an, als wäre er an null Vorgaben gebunden gewesen; er erzählt sehr frei, gefühlvoll und behutsam seine Geschichte – doch zugleich fehlt auch ein wenig das Dringliche, und ein bisschen plätschern, vielleicht sogar ein undefinierbarer Hauch von Belanglosigkeit ist stets zu spüren.

Vielleicht sah Winterbottom das auch so und baute gegen Ende etwas seltsam anmutenden Suspense ein: das Spiel mit den Ängsten des Vaters um weitere Verluste ist interessant, manches wirkt aber in diesen Momenten ein wenig aufgesetzt.

Filmjahr 2011 - Die Bilanz

2012-01-31T00:10:00.007+01:00

Wie jedes Jahr zu diesem Zeitpunkt gibt es natürlich noch weitere spannende Werke des abgelaufenen Jahrgangs zu sehen, aber nach den aus meiner Sicht relevantesten 147 Filmpremieren des Jahres 2011 mache ich hier mal einen Cut für meine Bilanz.

2011 war (neben meinem persönlichen Kinorekord von 81 Vorstellungen) definitiv das Jahr der vielen ambitionierten, „großen“, aber in meinen Augen nicht ganz überzeugenden Werke (u.a. von Malick und von Trier über Aronofsky, Noe bis zu Innaritu und Godard – sowie auf Festivalebene Naderi und Ceylan), aber auch eines, in der mir erfreulicher- und absolut erstaunlicherweise kein einziger wirklich mieser neuer Film unter kam (Tiefstwertung gerade mal 3,90 Punkte!).

Allerdings war auch die Anzahl der Filme, die mich völlig weggeblasen haben, etwas geringer als in den Jahren davor.

Auf die Highlight-Liste mit allen „großartig bis unbedingt sehenswert“-Werken (Cut bei 8,25 Punkten) haben es aber dennoch folgende 29 feine Filme geschafft:

Pardonnez-moi (Maïwenn Le Besco)
Michael (Markus Schleinzer)
Another Year (Mike Leigh)
Beginners (Mike Mills)
Bridesmaids (Paul Feig)
Nader und Simin (Asghar Farhadi)
Kinatay (Brillante Mendoza)
Johnny Mad Dog (Jean-Stéphane Sauvaire)
Le père de mes enfants (Mia Hansen-Love)
1 Journée (Jacob Berger)
The Rise of the Planet of the Apes (Rupert Wyatt)
127 Hours (Danny Boyle)
Nanjing! Nanjing! – City of Life and Death (Lu Chuan)
Whores’ Glory (Michael Glawogger)
Ajami (Scandar Copti/Yaron Shani)
Lebanon (Samuel Maoz)
Haevnen/"In einer besseren Welt" (Susanne Bier)
Terri (Azazel Jacobs)
Les Regrets (Cédric Kahn)
Towelhead (Alan Ball)
Habemus Papam (Nanni Moretti)
Mammoth (Lukas Moodysson)
J’ai tué ma mère (Xavier Dolan)
Blue Valentine (Derek Cianfrance)
Le refuge (Francois Ozon)
American Falls (Phil Solomon)
Tournée (Mathieu Amalric)
Margin Call (JC Chandor)
Un home qui crie (Mahamat-Saleh Haroun)

Alles weitere, in Kategorien zusammengefasst und jeweils nach Punkten absteigend geordnet:

Gut/sehenswert:

The Woman
Atmen
Tokyo Sonata
Delirious
Nostalgia de la luz
Mission Impossible – Ghost Protocol
Les chants de Mandrin
La Consultation
Arrietty
“Das Erdloch”
The kids grow up
La Guerre est déclarée
Die Stille der Unschuld
Inside Job
King Kongs Tränen
No One knows about Persian Cats
Katka
The Wackness
Aleksandra
Tintin
Putty Hill
Soft Palate
Old Joy
Cold Fish
Fish Tank
Thor
“Der Fang”
Nacido y criado
Le Havre
“Der Staub Amerikas”
Kynodontas /Dogtooth
Four Lions
I come with the rain
Orly
Crazy, Stupid, Love.
Octubre
Egal was ich tue, sie lieben es
Territoire perdu
Folge mir
A dangerous method
Temple Grandin
Bloody Mondays and Strawberry Pies
Svet-Ake

Auch ziemlich gut, mit kleinen Mängeln:

The Guard
Tehilim
The sound of insects
Shadow Cuts
“Das Lied der Sperlinge”
I’m still here
Essential Killing
The Tree of Life
Cars 2
Trolljegeren
Die Liebe der Kinder
Schlafkrankheit

Okay/nett, aber nicht rundum überzeugend:

„How i ended this summer“
Contagion
Somos lo que hay
Mr. Nobody
Jane Eyre
Genova
La belle endormie
Tranzania. Living. Room.
Schattenzeit
Source Code
Into Eternity
Die Vaterlosen
Unten Mitte Kinn
Io sono l’amore
Rabbit Hole

Die „kunstvollen“, aber dabei nicht ganz überzeugenden Sieben:

Black Swan
AUN
The Man from London
Melancholia
Les amours imaginaires
Nénette
Enter the Void

Nicht wirklich gut, aber relativ sympathisch/unterhaltsam:

The King’s Speech
Cave of forgotten dreams
Super 8
La piel que habito
Abendland
“Once upon a time in Anatolia”
Attenberg
Attack the Block
Wenn die Welt uns gehört
L’illusionniste
Armadillo
Pirates of the Caribbean 4
Dreileben – Etwas Besseres als den Tod
Dreileben – Eine Minute Dunkel
Secrets of the tribe
The fourth portrait

Mittelmaß, ohne oder trotz Ambitionen:

Sauna
Biutiful
Midnight in Paris
Rango
Os Residentes
Waffenstillstand
Schwarzkopf
Lady Blue Shanghai
Es war einer von uns
Cut
Hanna
Delta

Die 2 heftigen Serben:

Srpski Film (6/10)
"Leben und Tod einer Pornobande" (4/10)

Enttäuschend/schwach/gescheitert:

Film Socialisme
Hollywood Fling
Kokuhaku/Geständnisse
Dreileben – Komm mir nicht nach
Bedways
La mujer sin cabeza
Heartless

Natürlich habe ich nicht auf Takashi Miikes 13 Assassins vergessen; da ich jedoch noch immer nicht einmal den Überklassiker "Sieben Samurai" geschweige denn die Vorlage für Miikes neues Werk kenne, möchte ich zuvor mal diese Werke genießen, bevor ich mich auf Miikes Neuinterpretation wage.

Animal Kingdom und "Detective Dee" wurden nach jeweils 15 Minuten abgebrochen, da sie mich auf den ersten Blick nicht besonders angesprochen haben – auch das wird vielleicht noch nachgeholt. Dasselbe gilt für Restrepo, bis auf das Nachholen vermutlich. Get low habe ich sogar zur Hälfte gesehen, musste dann abbrechen, und danach gab es kaum mehr Motivation, weiterzuschauen – sicher „nett“, aber naja. In eine ähnliche Kategorie fiel durchaus überraschend auch "Still walking"...

„Mother“ bin ich (wegen des Regisseurs von „The Host“) mit großen Erwartungen angegangen, aber was ich da in den ersten 45 Minuten sah und was ich mir für den Rest des Films erwarte, hat mich nicht umgehauen, sodass ich auch hier erstmal abbrach und mich anderem widmete..

Die beiden Romanverfilmungen Never let me go (Buch schon gelesen) und „Norwegian Wood“ (bin am Buch gerade dran) habe ich wegen dem gesenkten „Originalitätsfaktor“ auch erst mal hinten angestellt.

Den sehr spannend klingenden Essay Photographic Memory habe ich leider verpasst, als er auf arte lief; eine Möglichkeit, diesen Film sonst wo aufzutreiben, konnte ich bis jetzt nicht finden.

Auf der unbedingten "Watch- aber vom Gefühl her nicht ultra-relevant-List" 2011 stehen noch so einige Filme:
Unter dir die Stadt, Fireworks Wednesday, Limitless, Rubber, Cassandras Warnung, Le nom des gens, Le roi de l’evasion, Au fond des bois, Cosa voglio di piu, X-Men First Class, Insidious, New Kids Turbo, Fast Five, The Fighter, The Mechanic, Poll, Unter Kontrolle, The Way Back, Rapt, Hors la loi, Underwater Love, The Ides of March, Bobby Fischer against the world, u.e.a.

Mysterios de Lisboa vom verstorbenen Raul Ruiz wurde bei arte als TV-Version ausgestrahlt, möglicherweise wird der angeblich feinere Kino-Cut noch 2012 veröffentlicht und dann dazu gezählt…

Die Filme Mörderschwestern, Adams Ende und Aurora liefen 2011 zu kurz oder völlig unpassend für mich im Kino und werden daher ausnahmsweise erst dem Jahr 2012 (bei zu erwartender DVD-VÖ) zugezählt. Gleiches gilt auch für den im Verleih bereits kurz vor Jahresende erschienenen Super und den auf DVD erwerbbaren Raavanan, der im März 2012 im Wiener Filmmuseum auf der Leinwand vorgeführt wird.

Wahnsinn, was in einem Jahr so alles zusammenkommt, aber das war es dann vermutlich auch:

Finally a happy new filmyear 2012! :)

Lebanon (Samuel Maoz) 8,43

2012-01-30T09:09:00.002+01:00

Vier junge Männer finden sich plötzlich in einem Krieg - und die Zuseher mit ihnen den gesamten Film in einem Panzer. Dieses starke Konzept, dessen formal strenge, aber dennoch nie langweilige Umsetzung ein bisschen an Kubrick erinnert, macht diesen Film so beklemmend; irgendwo ähnelnd der Intensität von Black Hawk Down und dem letzten großen Kriegsfilm, Kathryn Bigelows The Hurt Locker.

Das Kammerspiel "Lebanon" thematisiert vor allem das Grauen des Krieges, das junge Männer von einer Sekunde auf die andere ohne große Vorbereitung in die Hölle des Tötens oder Getötet werden hineinwirft - der Mann an der Panzer-Kanone bringt es zunächst nicht fertig, auf ein sich rasend näherndes Kamikaze-Auto zu feuern, kurz danach folgt er den Befehlen und feuert wie wild – auf einen harmlosen alten Mann in einem Hühner-Transporter.

Maoz gelingt in den ersten zwei Dritteln, vor allem in ein-zwei solcher bestürzenden „Zivilisten-Szenen“ ein nüchternes, genau konzipiertes, beklemmendes Antikriegsplädoyer; leider versucht er sich gegen Ende an einer Art Spannungsaufbau und Psycho-Elementen, was dem Film weniger gut tut und nicht so recht ins restliche Konzept passen mag.

Dennoch ist es ein eindrucksvoller Vertreter einer Gattung, die sich angesichts der nicht enden wollenden Kriege auf unserer Erde nie erschöpfen wird können: Zu Beginn sahen wir ein riesiges Feld voller Sonnenblumen – am Ende dieselbe Einstellung nochmal, mit Panzer: Es ist ein hervorragend metaphorisches Bild: geknickt und gebeutelt sind diese Sonnenblumen – wie Menschen vom Krieg.

Di si zhang hua (Mong-Hong Chung) 5,70

2012-01-29T11:52:00.003+01:00

The fourth portrait: Ein wieder mal im kuriosen Sinne schräger asiatischer Film, der zunächst auch ungemein atmosphärisch und vielversprechend beginnt. Danach läuft die Geschichte um einen kleinen Jungen, dessen Vater stirbt, leider eher bruchstückhaft und teilweise sehr seltsam humorvoll ab; auch deswegen will sich vielleicht kein Mitgefühl für diese Geschichte einstellen - dem Regisseur gelingt es überhaupt nicht, eine Linie zu finden; sein sensibles 'Outsider-Familiengeheimnis'-Drama taumelt und strudelt schlangenlinienartig dahin.

Gegen Ende schafft er es dann - schon unerwartet - doch noch, sich zu konzentrieren, auf seine Figuren und auf eine bittere, traurige Geschichte; man ahnt, dass hier das Potential für einen deutlich besseren Film da gewesen wäre. So gibt es rückblickend kaum einen Grund, sich dieses Werk anzuschauen, aber zumindest einen Funken Sympathie.

Fish Tank (Andrea Arnold) 7,88

2012-01-24T18:25:00.004+01:00

Die Klasse und teilweise verstörende Intensität des Vorgängers Red Road wird zwar nicht ganz erreicht, aber auch dieses Werk der britischen Filmemacherin ist wieder ein eindrucks- und kraftvolles Sozialdrama - um eine junge Frau zwischen Gemeindebautristesse, Tanzträumen und Liebe zum Freund der auch nicht viel älteren Mutter - sehr überzeugend gespielt (u.a. Michael Fassbender in einer heiklen Rolle) und von Andrea Arnold mit rauem und authentischem Flair inszeniert.

La Consultation (Hélène de Crécy) 8,17

2012-01-20T08:08:00.002+01:00

Die Sprechstunde: Ein praktischer Arzt als Anlaufstelle für alle möglichen Probleme. In jeweils ein paar Minuten langen Ausschnitten aus Gesprächen und Untersuchungen gibt es Einblicke in medizinische und menschliche Geschichten. Besonders interessant ist es, die psychologischen Kompetenzen dieses seriös-verschmitzten Mediziners beobachten, der mit Sinn für Humor, Menschlichkeit und präzis analysierend seine Patienten behandelt.

In einer Gesellschaft, in der Druck aber auch Forderungen der Patienten nach einfachen, medikamentösen Lösungen von komplizierten Erkrankungen oder systemischen Problematiken keine Seltenheit sind, kann ein guter Arzt mit viel Erfahrung und Leidenschaft hier wichtige Arbeit leisten - auch davon berichtet dieser heitere bis ergreifende Dokumentarfilm.

Le Havre (Aki Kaurismäki) 7,85

2012-01-19T08:57:00.004+01:00

Kaurismäkis relaxt-sympathisch-humanistische Sozialdramödie um einen afrikanischen Flüchtlingsjungen auf der „Durchreise“ und einen entspannten alten Schuhputzer, der ihm hilft, bringt den erwartet rundum netten Kinoabend, und ist auch nach dem zuletzt schon etwas schnarchigen „Lichter der Vorstadt“ erfreulich frisch geraten. Mehr als ein nettes "Märchen" ist es aber trotz einer wunderbaren Grundhaltung zur Abschiebungspolitik auch wieder nicht.

Cave of forgotten dreams (Werner Herzog) 6,46

2012-01-18T09:08:00.003+01:00

Was enorm aufregend und teilweise atemberaubend schön beginnt, erreicht leider nie die Nähe der außergewöhnlichen Qualität von Herzogs Encounters at the end of the world, sondern verflacht doch etwas. Vor allem ist der Film nur an wenigen Stellen „herzogesk“ schräg oder clever gewitzt: ein bisschen zu brav vielleicht. Letztlich ist aus einer Dokumentation über Höhlenmalereien halt auch nicht viel mehr herauszuholen; klar spricht Herzog auch über Parallelen zum Kino und Ursprünge von Kunst und streckenweise ist sein Film auch faszinierend und interessant, aber über 90 Minuten ähnelt das einer Führung: irgendwann möchte man sich am liebsten von der Gruppe abseilen und vielleicht selbst etwas entdecken oder in anderem Tempo weiter gehen…

Grenzgenial ist dafür das überraschende Kernkraft-Postscriptum - wieder mal mit Alligatoren.

Mr. Nobody (Jaco van Dormael) 7,35

2012-01-12T18:04:00.005+01:00

Die geschmeidige, phantasievolle Inszenierung dieses Films ist meisterlich. Inhaltlich scheint es in den ersten Minuten auf einen gigantischen "Mindfuck", auf ganz großes Kino hinauszulaufen. Nach einiger Zeit wähnt man sich „nur“ noch in einem filmischen Entwicklungsroman, durchgehend so traumhaft schön inszeniert, dass man die 150 Minuten Laufzeit so intensiv wie möglich genießen will.

Ein Mann zwischen drei Frauen, das Kind zwischen den Eltern: auf welche Schiene des Lebens begibt man sich? Diese leicht philosophischen Elemente werden immer wieder durchsetzt von einer satirischen futuristischen Rahmenhandlung.

In der Endabrechnung ist van Dormaels Poesie leider nicht ganz so großartig, wie man es lange Zeit spüren konnte. Die „Auflösung“ ist so banal wie nur möglich, doch das ändert ja nicht viel an dem, was vorher so angenehm war. Vielleicht können vielmehr Länge und „Schönheit“ des Films irgendwann nicht mehr über eine gewisse Absenz von echtem Tiefgang hinweg täuschen. Vielleicht ist die Essenz des Films, die uns nach zweieinhalb schwer greifbaren Stunden letztlich vermittelt wird, am Ende das ganze Brimborium gar nicht wert (wenn man etwas kritischer hinblickt), dennoch war es irgendwie sehr schön sich dem hinzugeben -

(bei all dem drängt sich schon wieder ein Filmvergleich auf, und zwar einer mit dem ebenfalls ganz famos inszenierten, aber dennoch, vielleicht auch aufgrund gewisser Redundanzen und leichten Banalitäten, nicht völlig begeisternden The Tree of Life!).

1 journée (Jacob Berger) 8,64

2012-01-11T18:49:00.003+01:00

Ein wunderbarer (sorry:) „kleiner“ Film, dessen Regisseur es leichtfüßig vereinen kann, unheimlich nah an menschlichen Problemen zu sein, eine künstlerisch ansprechende Bildsprache und Umsetzung zu finden und dabei (trotz manchmal arger Symbolik) keine Sekunde abgehoben zu wirken.

Es geht um einen Mann am Abgrund (der so oft großartige Bruno Todeschini), zwischen Lebensüberdruss und Ehebruch, um seine Frau mit Zwangsstörung, und ihr gemeinsames, aufgewecktes Kind. Der faszinierend zwischen düsteren, semidrastischen und zärtlichen Szenen oszillierende Seelentrip wird quasi in drei Kapiteln erzählt, die sich ineinander verschlingen. Was dabei genau passiert und wie es Berger gelingt, all seine Elemente geschmeidig zu einem berührenden Stück über das Verlieren und das Wieder(zueinander)finden, über Trauer, Wut, Angst und ihre positiven Gegenkräfte zu verbinden, soll hier nicht zu sehr in Textform erläutert werden: diesen (kaum bekannten) Film muß man spüren, muß sich ihm (wie immer am besten ohne Vorinformationen) ergeben und von seiner ganz eigenen, zärtlich-herben Art verführen und berühren lassen.

Kokuhaku (Tetsuya Nakashima) 4,30

2012-01-10T19:39:00.005+01:00

Ein sehr spezielles, irgendwo zwischen provokanter Künstlichkeit und versuchter/allzu gewollter „Kunst“, zwischen düsterem Ernst und fast kindlichem Humor pendelndes, nunja: Rachedrama. Irgendwie ist es noch faszinierend, dass man sich für den erzählten(!) Prolog eine gute halbe Stunde(!) Zeit nimmt, zugleich aber auch da schon etwas nervtötend.

Die Welt, die Figuren; in Geständnisse ist alles betont düster, doch – und das könnte der Hauptgrund für das Scheitern des Films sein – es mag sich, auch weil die Beweggründe und Handlungen und Figuren in dieser Welt sehr künstlich wirken, kaum echte Beklemmung einstellen. Die ewiggleiche Inszenierung mit per se ja ziemlich lässiger Musikuntermalung kann man vielleicht noch als künstlerisch gelungen, aber noch mehr als zäh und eintönig betrachten.

Inhaltlich ist der Film sowieso unbestreitbar krude und zwar richtig. All diese extremen Seelenschmerzen, all die Bitterkeit können auch darum (und auch wegen der künstlichen Form) nicht durchdringen, können gar nicht reinstoßen ins Herz, das Megapathos kann die Oberflächlichkeit nicht verbergen. Ein seltsames Ding, das in seinem genuinen Versuch, eine grimmige Geschichte kompliziert zu erzählen und dabei audiovisuell „formvollendet“ zu inszenieren, völlig implodiert – so gesehen wohl ein „perfekter“ Nachfolger zum seinerzeit ebenso schräg überladenen (und ebenso von anderen gemochten) „Sympathy for Lady Vengeance“.

Melancholia (Lars von Trier) 6,69

2012-01-05T23:51:00.002+01:00

Die Studie einer Depression kombiniert mit einem sehr intimen Weltuntergang: das ist schon sehr reizvoll…was wird im Detail draus?

Der opulente Vorspann erinnert an Kubricks Überwerk 2001 und interessanterweise an den zeitgleich gelaufenen Tree of Life; danach sind wir stilistisch schon wieder beim „Dogma“, wobei von Trier mit der „Limousine in der engen Kurve“-Szene gleich sehr humorvoll den bevorstehenden Weltuntergang kontert.

Anschließend erleben wir eine kleine menschliche Katastrophe im Zeitlupentempo. Das ist rückblickend faszinierend (und die Studie von Justine hat gar nicht allzuviel mit einer Variation von Festen zu tun, wie man an mancher Stelle liest), doch - und das gilt für den gesamten Film - von Trier war in fast allen seinen vorherigen Arbeiten schon viel packender…hier wirkt alles fast wie durch einen Wattebausch schaumgebremst. Mag Absicht sein, aber Melancholia ist dadurch auch die meiste Zeit einen Tick zu wenig einnehmend für einen wirklich großartigen Film.

In Verbindung mit dem drohenden Ende der Erde ist dieser Stil natürlich schon wieder grenzgenial, dennoch will sich in den mehr als 2 Stunden keine große Begeisterung einstellen. Vielleicht schadet auch das gefühlte ständige Augenzwinkern den für sich gelungen gezeigten menschlichen Tragödien. Dennoch Respekt dafür, dass von Trier gelassen und genau filmt, ohne allzu sehr auf Verstörung oder ähnliches aus zu sein (Katze in den Schwanz: das ist aber auch immer seine große Stärke gewesen).

Gegen Ende ist die Stimmung dann phänomenal und höchst beunruhigend, der Schlussabschnitt ist wahrlich groß. Die letzten Minuten sind von einer unglaublichen Intensität, die zum Kehraus den vielleicht größten kalten Schauer bietet, den man im Kino seit langem erleben konnte. Ja, im Nachhinein ist Melancholia ein sehr respektabler Film, ein außergewöhnlicher Entwurf. Aber man darf und muss es in dem Fall auch mal aussprechen: der große Feind sind hier die Längen und eine gewisse Belanglosigkeit einer vielleicht sogar künstlerisch geistvollen, zugleich jedoch auch recht sinnentleerten Apokalypsen-Konstellation.

Crazy, Stupid, Love. (Glenn Ficarra & John Requa) 7,67

2012-01-04T10:51:00.005+01:00

Hat so seine Schwäch-chen, der makellose Womanizer ist auch nicht die ideale Rolle für Gosling, das meiste verläuft typisch wie es eben in diesen Filmen läuft, auch das ‚Highlight‘ der späten Zusammenführung aller Personen ist eher konventionell, doch witzig gestaltet.

Das auf frischen Wind setzende Regieduo, deren Vorgänger "Phillip Morris" grenzgenial und auch schon an der Grenze zwischen Konvention und Subversion war, gibt sich hier noch mal sanfter, doch ihre unverkrampfte Art, tendenziell schwierige und peinliche Situationen in Liebesdingen zu inszenieren, macht Spaß. Sehr lustig ist auch (wie öfters in Komödien) Marisa Tomei mit ihrer exaltiert-ironischen „Temperament“-Performance.

Dieser Film ist weder perfekt noch wunderschön, doch man kann sich ein wenig in ihn verlieben – Romance rules, assholes!

Pardonnez-moi (Maïwenn Le Besco) 9,23

2012-01-03T09:55:00.004+01:00

Was sehr mühsam und sperrig beginnt, entwickelt sich zu einem unglaublichen, kraftvollen, enorm schmerzhaften, bewundernswerten, radikalen, experimentellen, mutigen Stück Kino. Ein Film des Jahres, der bereits 5 Jahre alt ist und nun immerhin von arte noch einem deutschsprachigen Publikum (das man vermutlich an zwei Händen abzählen hat können) vorgeführt wurde.

Die zweite Regiearbeit der jungen Maiwenn ist eine Geschichte von Kindesmisshandlung, umgesetzt in einen Film in einem Film. Die Filmemacherin spielt Violette, eine junge Frau, die ihr Kindheitstrauma bekämpfen will, indem sie einen schonungslosen Film über ihre Familie dreht, vor allem über ihren Vater, der sie einst geschlagen hat…

Die forsche junge Dame bewaffnet sich also mit einer Kamera, um durch diesen, eigenen Film vielleicht endlich Erlösung – oder einfach eine Entschuldigung zu finden. In einer witzigen Szene geht sie in ein Fachgeschäft und sagt, sie wolle einen Film fürs Kino machen, worauf der Verkäufer Top-Geräte empfiehlt, vor allem für ruhige Bilder. Die braucht und will Violette aber für ihren Film nicht – genauso wenig wie Maiwenn für ihren. Was sich hier vielleicht etwas gekünstelt anhört, ist meisterlich umgesetzt, was diesen Film aber neben allen Metaebenen-Experimenten (inklusive Kindheits-„Videointerview“-Aufnahmen von Maiwenn!) und dem enormen psychologischen Tiefgang so ins Innere bohren lässt, sind die unglaublich intensiv gespielten Szenen, in denen Violette bzw. Maiwenn die Familie mit ihren Schmerzen konfrontiert; das lässt selbst einen so beklemmenden Film wie Michael im losen Vergleich harmlos wirken.

Verzeiht mir ist der schmerzvolle Schrei einer verwundeten Seele und die Bebilderung eines bitteren Kampfes um Seelenfrieden; darüber hinaus ist es der Beweis, dass radikales Kino mitunter immer mehr unter Ausschluß der Öffentlichkeit stattfindet; sicher muß man auch konstatieren, dass solch intensive Szenen derart experimentell serviert schon generell nicht viele ansprechen. Auch im Film (im Film) wird übrigens einmal eine Diskussion um die breite Masse geführt: doch außerhalb Frankreichs wird dieses herausragend schonungslose Werk leider kaum jemand gesehen haben.

Listenalarm! (2006-2011)

2011-12-30T15:03:00.016+01:00

Das Jahr neigt sich dem Ende zu, und in dem ganzen Wertungswirrwarr ist es immer ein schöner Brauch, die absoluten Highlights nochmal in Listenform zu sammeln, um bei den unglaublichen Massen an neuen Filmen die absoluten Lieblinge und Meilensteine des Kinos zu reflektieren und noch einmal hervorzuheben. Wenig verwunderlich übrigens, dass hierbei jener Film, der damals auch für den Namen dieses Blogs Pate stand, ganz oben in meiner Gunst steht.

Da es mir traditionell am Jahresende noch nicht möglich ist, eine zufriedenstellende Jahresliste zu veröffentlichen, habe ich mich entschieden, statt einem "Best of 2011" hier die Highlights aller gesehenen Filme der letzten paar Jahre zu sammeln. Auch da gibt es noch die eine oder andere Lücke (etwa "Hunger" oder "Synecdoche, New York", auch einige Filme von Takeshi Kitano z.B., uvm.), und wie immer fehlt natürlich noch viel an aktuellen Filmen, was international schon, aber hier noch nicht veröffentlicht wurde; ich richte mich ja stets nach dem österreichischen/deutschsprachigen Markt, inklusive DVDs und TV (plus manchem, aber natürlich auch nie allem von der Viennale).

Viel Spaß jetzt aber mit den bis dato 52 aufregendsten, aufwühlendsten, wichtigsten, forderndsten, außergewöhnlichsten, schönsten, ...

Filmen der (ungefähr) letzten 5 Jahre:

La vie moderne
Bled Number One
Sommer vorm Balkon
Import Export
Drawing Restraint 9
Winter's Bone
Låt den rätte komma in
I'm not there
Du levande
Birdwatchers
Pardonnez-moi
There will be blood
Sunshine
Auf der anderen Seite
Die unabsichtliche Entführung der Frau Elfriede Ott
Une vieille maitresse
The Kite Runner
Petition
Balada triste de trompeta
The Prestige
Encounters at the end of the world
Michael
"Waltz with Bashir"
Los Herederos
Babel
Inland Empire
She, a Chinese
Half Nelson
Nothing Personal
"Still Life"
Momma's Man
In die Welt
The Hurt Locker
"4 Monate, 3 Wochen, 2 Tage"
Idiots and Angels
Talladega Nights
Revanche
Another Year
Coraline
White Material
Bridesmaids
"Secret Sunshine"
Tout est pardonné
Gomorrha
It's a free world
Nightmare Detective 2
Boy A
The Wrestler
Gran Torino
Bam gua nat/"Night and Day"
Vegas: Based on a true story
Un Conte de Noel

Contagion (Steven Soderbergh) 7,38

2011-12-29T19:47:00.004+01:00

Soderberghs mit coolem Soundtrack unterlegter Virenthriller verläuft doch etwas langatmig und obwohl man es schon ahnen hätte können und es konzeptionell im Sinne von 'Anti-Hollywood-Katastrophenthriller' sehr in Ordnung ist, etwas überraschend aktionslos ab: dass Millionen Menschen gestorben sind, erfährt man am Ende so nebenbei. Das hat schon seinen Reiz, aber dadurch verweigert sich der Film auch ein wenig zu sehr einer „klassischen Spannung“.

Dafür gefällt der ruhige Blick auf die vielen Charaktere, von 'zivil Betroffenen' bis zu ForscherInnen und industriellen bis politischen Playern, und gegen Ende zeigt das Werk seine reizvollsten Eigenschaften: unter anderem auch weil alltägliche Konsequenzen so einer Pandemie gezeigt werden. Der Film thematisiert in der zweiten Hälfte auch die (Medikamenten-)Industrie und was denn so vor sich gehen könnte, wenn das passende Gegenmittel endlich in einem Labor gefunden wird (skurriles Highlight im Zuge dessen: die Impflotterie!).

Soderbergh hat schon bessere Filme gedreht, für ein echtes Highlight ist sein reduzierter Pandemiethriller insgesamt zu wenig beklemmend ausgefallen – andererseits sind solche nicht extrem realitätsfernen filmischen Schreckensszenarien, hier natürlich auf allen Ebenen ansprechend umgesetzt, ja immer schaurig-vergnüglich.

The Adventures of Tintin: The Secret of the Unicorn (Steven Spielberg) 8,01

2011-12-28T22:04:00.004+01:00

In völliger Unkenntnis der berühmten Comics rein ins Kino: Der Look ist atemberaubend, man glaubt gar nicht in einem der üblichen 3D-Filme zu sein, sondern hier stimmt technisch alles: das sind dann ja wohl auch die besten Vertreter dieses wiederentdeckten Mediums.

Was passiert denn inhaltlich? Trotz Arschlochfrisur und potenziellem Klugscheißer-Nerv-Faktor ist Tim kein unsympathischer Charakter - wobei, eigentlich hat er keinen, wie ein guter Schiedsrichter fällt er wenig auf; den Reiz und Spaß im Kinosessel machen die von Spielberg wie nicht anders zu erwarten grandios inszenierten „Indy“-esken Actionszenen und die kauzigen Nebencharaktere wie der trunkenboldige Kapitän, ein bisschen auch die zwei Schulzes, aus. Der Kinobesuch hat sich schon aufgrund dieser Vergnüglichkeiten sehr ausgezahlt, die Unterhaltung stimmt und wird auf edelstem Technikniveau serviert; der Film an sich büßt aber gegen Ende langsam etwas an Originalität ein und man hat sich auch ein wenig satt gestaunt, Spannung gibt es natürlich kaum.

Inwiefern mit diesem Projekt die Comicvorlage(n) gut umgesetzt wurden oder nicht, kann hier nicht beantwortet werden - immerhin wartet aber inzwischen "schon" ein Tim und Struppi-Comic daheim auf die Lektüre. Was Spielberg so macht, ist ja meistens interessant und auch sehenswert, das hier war insgesamt: charmant und nett.

Direktøren for det hele (Lars von Trier) 8,32

2011-12-26T00:16:00.003+01:00

Dieser Mix aus dem Comedyformat The Office und von Triers eigener Satire Idioten braucht etwas Anlauf (und scheint manchmal etwas zu hinken), ist aber bald enorm komisch, hintersinnig humanistisch und die reflexive Spielerei mit der Kunst des Schauspielens im Feld des von existenziellen Sorgen und zwischenmenschlichen Krisen geprägten Kleinfirmen-Wahnsinns ist bis zum letzten Bild köstlich.

von Trier arbeitet hier inhaltlich mit absurden und noch absurderen Wendungen, und formal - am Übergang von seiner extrem reduzierten, brechtischen „Dogville/Manderlay“-, zur visuell ambitionierteren „Wagner-Depressions-Weltuntergangs“-Phase - mit vielen leichten Perspektivwechsel-Schnitten und unkonventionell gewählten Bildkadern, die den spröden Look des Films in dieser Hinsicht gewitzt gestalten.

The Boss of it all ist jedenfalls mehr als bloß ein kleines Nebenwerk, als das es wohl bei dem ganzen Ballyhoo um die beiden Folgefilme des dänischen Künstlers bei vielen gelten wird, sondern eines der vielen gelungenen Werke in der eigenwilligen Karriere des LvT: eine hochkomische Büro-Groteske im hektisch-heiklen Zeitalter des Offshoring und Outsourcing.

Heartless (Philip Ridley) 3,90

2011-12-22T23:04:00.002+01:00

Dieser ausgesprochen düster sein wollende Fantasythriller um einen entstellten, von Gewalt umgebenen Außenseiter wirkt sehr ambitioniert, auch künstlerisch, befindet sich zugleich aber auch oft hart an bzw. über der Grenze zum Lächerlichen. Die mysteriöse, aber leider letztendlich nicht besonders berauschende Geschichte beginnt wie eine Art Donnie Darko-Variation (schüchterner Außenseiter sieht eigenartige Wesen), gemixt mit einer sehr heftigen Sicht auf einen von brutalen Gangs geprägten Teil von London; es wird eine Welt gezeigt, in der es nur Gewalt und Kälte zu geben scheint. Nach einiger Zeit läuft der Film dann, etwas überraschend, auf eine wüste Faust-Variation hinaus, während es zwischendurch immer wieder eher peinlich kitschige Szenen gibt.

Die Regie ist wie gesagt ambitioniert und das Bemühen, einen ganz eigenen Stil zu schaffen, macht den eigentlich eher schwachen, bisweilen sehr kurios mit heftigen Gewalt- und Schockszenen versehenen Film zumindest irgendwie interessant. Andererseits wirkt das Spiel mit Farben und vor allem den erwähnten Schockeffekten oft kindisch-billig. Es wird eine spezielle Atmosphäre geschaffen, doch nur ganz selten ist der Film beklemmend, meistens eher trashig – ohne dabei aber auf blöde Art wenigstens gut zu unterhalten. Auch die Schauspieler sind durchgehend „B-Liga“, vor allem der naive Blick von Hauptdarsteller Sturgess ist schwer zu ertragen.

Les Regrets (Cédric Kahn) 8,31

2011-12-21T22:36:00.002+01:00

Filme über l‘amour fou sind ja fast immer toll - dieses intensive Drama über ein verzweifelt verliebtes Paar (beide jeweils in einer anderen Beziehung bzw. Ehe) ist geradezu elektrifizierend inszeniert. In diesem wahnwitzigen Sog stolpert und torkelt auch die Kamera ebenso leidenschaftlich vor sich hin wie die Liebenden, die von Valeria Bruni Tedeschi und Yvan Attal herausragend gespielt sind. Immer mehr verlagert sich dann der Fokus auf den männlichen Part, der gefährlich am Grat zwischen Leidenschaft und Wahnsinn dahin wankt. „Von Liebe und Bedauern“: ein fiebriger Film über die absolute Hingabe jenseits jeglicher Vernunft.

Bir zamanlar Anadolu'da (Nuri Bilge Ceylan) 6,37

2011-12-19T18:12:00.005+01:00

Wie man in den derzeit wieder kursierenden, beliebten Jahres-Umfragen sehen kann, ist Once upon a time in Anatolia einer der Konsens-Kritikerlieblinge des Jahres, was an dieser Stelle nicht ganz nachvollziehbar ist: Ceylans neues Mammutwerk hat gute Ansätze, ist aber vor allem schwer greifbares, absurdes Theater (dabei immerhin nicht so hohl-skurril wie Albert Serras Cant dels Ocells).

Ceylan ist zum Glück nämlich durchaus an der existenziellen Tragik seiner wortkargen Männer-Figuren interessiert. Der letzte Teil des Films ist eindrucksvoll, erinnert dabei stark an die besten Vertreter des neuen rumänischen Kinos. Hier liegt in den Augen des Betrachters aber auch die Krux des sich ambitioniert ganz viel Zeit nehmenden Werks: trotz des episch-existenziellen Gestus scheint es ein wenig an der ganz großen Bedeutung und Tiefe zu fehlen. Die Gesichter und die angedeuteten Tragödien und Sehnsüchte scheinen zwar Potential für Faszination zu besitzen, doch über weite Strecken ist der Film auch nicht viel mehr als eine ultra-langsame, aber leider nicht ultra-komische Groteske, die ihren Punkt nie so recht findet. Okay, „maybe that’s exactly the point“, aber man kann es mit den Faktoren Subtilität bei extraordinärer Langsam- sowie Ziellosigkeit und dem Fehlen echter Höhepunkte auch übertreiben - bei aller generellen, hier immer wieder durchscheinenden Klasse dieses Filmemachers leider keine Offenbarung.

American Falls (Phil Solomon) 8,26

2011-12-17T17:04:00.003+01:00

Toller Bilderstrom, dessen experimentelle Form (meist drei identische Bilder nebeneinander, das Bildmaterial aus den Archiven wurde auf faszinierende Weise bearbeitet und wälzt sich meist fast am Rande der Auflösung dahin) viele Menschen aus dem Kino flüchten lässt. Die (oben sichtbare) Form, die Solomon gewählt hat, ist fast schade, denn so kann die große Leinwand nicht wirklich ausgenutzt werden, um in diesen entrückten Archivbildern (und der oft düsteren Geräusch- und Musikbegleitung) zu versinken. Inhaltlich ist der Film kein Wunderwerk, im Prinzip wird die Geschichte Amerikas bebildert, wobei dokumentarische Aufnahmen das Gros bilden, jedoch auch immer wieder Szenen aus Hollywoodfilmen miteinfließen.

Die erlebte Wirkung dieses mächtigen, für eine solch avantgardistische Machart mit fast einer Stunde doch recht langen Werks ist schwer zu beschreiben, es bleibt aber die Erinnerung an ein faszinierendes, spezielles Filmerlebnis.

Os residentes (Tiago Mata Machado) 5,332090405053059

2011-12-15T23:58:00.006+01:00

Die Bewohner. Zunächst mal faszinierend, formal aufregend, aber auch zunehmende Anstrengung der Sensorik. Abstraktistisch, was hier verhandelt wird, ein bisschen godardesk sozusagen, nur bunter. Selbstironie hin und wieder, danke. Und man muß schon sagen, dass dieser Stil Reiz hat. Nein, er geht doch auf die Nerven. Sehr verspielt, aber halt auch schrecklich (pseudo)philosophisches Geschwurbel, bisschen weniger davon und mir hätte das besser gefallen. Gar nicht so weit weg von Schlingensief, verrücktes everything goes, stets mit ausgewiesen avantgardistischem Anstrich. „Du oberintellektuelles Arschloch, leck mir die Möse!“, NA ALSO geht doch. Das atmosphärisch-desillusionelle Ende auch sehr cool, re-terminiert aber nicht die teils äußerst mühsam abgesessene Zeit zuvor. Gingen ja auch ne Menge raus, irgendwie verständlich, diese Scheiß Spießer.

Cut (Amir Naderi) 5,11

2011-12-13T19:10:00.006+01:00

Ein sonderbarer, wilder, schmerzhafter Film – nur leider auch etwas blöd. Schläge einstecken für das wahre Kino – immer und immer und immer und immer und immer und immer und immer und immer wieder, das ist schon eine spezielle Grundlage für einen zweistündigen Film.

Es sei auch eine Hommage an das große japanische Kino von Kurosawa, Ozu und Mizoguchi, sagt Naderi; am ultra-eigenartigen, singulären Ende gibt es dann nach gefühlten 500 Schlägen noch letzte 100 – entsprechend der Top 100-Filme-Liste des Regisseurs (der Hauptfigur im Film) bzw. vermutlich Naderis eigenem Kanon. Das ist schon etwas Originäres, aber in seiner brutalen Konsequenz wirkt es gleichzeitig auch eher nerdig-kindlich-kindisch. Aber gut, so be it.

Die verzweifelten Schreie für großes und wahres Kino stellen natürlich auch eine Metapher für den Kampf um mühsame Film-Finanzierungen dar. Das eigenwillige Schmerz-Spektakel hat definitiv etwas, und es stört auch am wenigsten, dass Naderis Film so simpel und enorm konsequent ist (nämlich darin, die Zuseher zu quälen) – dieser hartnäckige Stil ist auch aus seinem vorigen Film, dem Meisterwerk Vegas: Based on a true story bekannt; so ist dem Kenner dieses Werks auch in "Cut" bald klar, dass hier die Kernelemente – Anbetungen der Regisseure, Filmscreenings, Schläge, Schläge, Schläge - bis zum Ende bestehen bleiben…

Man könnte dieses radikale Etwas durchaus positiver aufnehmen, aber wohl auch noch negativer; letztlich ist es aber auch bezeichnend, dass auf den Festivals, bei denen er gezeigt wurde, bzw. in dem Jahr als er entstand, zig bessere, „wahre“ Filme (ohne eine zwanghafte Reflexion anderer Filme und des Kinos an sich) liefen. Irgendwie erschließt sich sodann der Sinn des Ganzen nicht so ganz.

Natürlich ist auch die Verzweiflung ob des Untergangs der „Kinokultur“ nachvollziehbar, doch ist dies als Alleinantrieb für einen Film selbst ausreichend? Fakt ist, dass DAS KINO, nämlich aufregende, aufwühlende, großartige Filme weiterleben und auch ständig gedreht werden, notfalls auch ohne großes Budget – und auch ganz ohne den radikal-missionarischen Meta-Idealismus aus CUT…

Les Chants de Mandrin (Rabah Ameur-Zaimeche) 8,18

2011-12-12T19:04:00.005+01:00

Monsieur Rabah Ameur-Zaimeche, der mit Bled Number One einen der großartigsten Filme der letzten Jahre gedreht und mit Dernier Maquis auf hohem Niveau nachgelegt hat (beide thematisieren unter anderem kulturelle und religiöse Unterschiede und Konflikte – Zaimeche selbst ist ähnlich seinen Figuren im Spannungsfeld zwischen Algerien und Frankreich verwurzelt und zugegen), verblüfft mit seinem vierten Film:

Da verwundert es, zunächst einen Historienfilm zu sehen, der sich im Gegensatz zu den Vorgängern nicht nur von der Gegenwart und sämtlichen Kulturdifferenzen abzuwenden und zudem ziemlich straight scheint. Man versucht einige Zeit vielleicht, die subtilen Elemente zu entziffern, mit denen Zaimeche auf seine intelligente Art heiße politische und soziale Eisen der Gegenwart verhandeln könnte, doch man findet wenig. Was man findet ist, wie sich der fast schon wie George Clooney aussehende Charismatiker wieder einmal selbst, hier als Rebellen-Führer Belissard, inszeniert, sei es mit lässigem Blick oder herzlichem Lächeln. Der begnadete Filmemacher steht eben gern auch vor der Kamera und hat, wie jeder Gute, gerne die Kontrolle über sein Projekt, weshalb sein Historienfilm sich auch nie nach Megaproduktion anfühlt, was nur von Vorteil ist. Und mit Fortdauer birgt er dann doch einiges an interessanten Zwischentönen.

Zum Beispiel: Wenn ein edler Herr einen Schmuggler in seine Kutsche einlädt, weiß man nicht so genau, was hier gespielt wird, doch die Konversation scheint tatsächlich auf Augenhöhe geführt zu sein; vielleicht soll dies Respekt zeigen, egal in welcher gesellschaftlichen Schicht sich das Gegenüber befindet. Oder: Besteht die Rebellenbande, die man im Lauf des immer etwas undurchsichtigen Films kennenlernt, aus brutalen Widerständlern oder sind das vor allem gebildete Gentlemen? Mit solchen Fragen spielt der Regisseur hier gerne.

Der raue (Männer-)Film ist nicht leicht zugänglich, mag aber vermutlich Freunde von Historie mit einer unverkrampft „realistischen“ Atmospähre begeistern, vielleicht langweilt er auch zwischendurch etwas. Doch es geht mit der Zeit eine unterschwellige Faszination von ihm aus; es steckt vieles drin, was nicht immer leicht zu entziffern ist. Und hin und wieder scheint auch dieses enorm freie Filmemachen durch, das Zaimeche bei "Bled Number One" in vollendeter Weise verwirklicht hatte. Vor allem kennzeichnet den Film aber der revolutionäre Geist, und das allein wäre schon ein Grund, ihn zu mögen.

Ganz am Ende gibt es noch eine irritierende Einstellung, bei der man sich auch fragt, was der Sinn ist. Sollen wir doch niemandem trauen, soll man die politische Ebene auch bei positiver Zusammenarbeit immer kritisch im Auge behalten? Hier ist ein scharfsinniger und zugleich auch immer etwas verschmitzter Künstler am Werk.

Dead or alive?

2011-12-08T00:44:00.006+01:00

Keine Angst, werte Filmfreunde und innen, hier folgt nun keine Besprechung einer trashigen Videospielverfilmung und auch keine Burnout-Ankündigung. Dass hier seit einigen Tagen (und noch einige weitere) Ebbe herrscht, liegt an einer kuriosen Verkettung lokaler Computerprobleme, heimischem Internetausfall und dem alltäglichen Wahnsinn aus Arbeits- und Freizeitstress sowie Kurz(kürzest)urlaub.

Um den Blog in dieser harten Zeit nicht ganz verwaisen zu lassen, folgen nun zwei Listen: zum einen jene mit den in den nächsten Wochen anstehenden Besprechungen bereits gesehener Filme (Highlights fett gekennzeichnet), und zum anderen jene mit meiner Watchlist ausstehender vielversprechender Werke des offiziellen Filmjahres 2011.

Schon gesehen und noch nicht besprochen:

Les Chants de Mandrin
Cut
Os Residentes
American Falls
"Once upon a time in Anatolia"
Les Regrets
Heartless
"The Boss of it all"
The Adventures of Tintin...
Contagion
Pardonnez-moi (!)
Crazy Stupid Love
Melancholia
"Confessions"
1 journée
Mr. Nobody
Höhle der vergessenen Träume
Le Havre
La Consultation
Fish Tank
Armadillo
(The Rocky Horror Picture Show)
"The fourth portrait"
Lebanon
Genova
Svet-Ake
A Dangerous Method
Essential Killing

Die noch längere Liste mit den restlichen Pflichtfilmen 2011:

"City of Life and Death"
Io sono l'amore
Mammoth
El cielo dividido
Towelhead
Rapt
"Still Walking"
Touxi
Le refuge
Kinatay
Inside Job
"How i ended this summer"
Hors la loi
"The song of sparrows"
"Mother"
Poll
The kids grow up
Rubber
Tokyo Sonata
Johnny Mad Dog
I come with the rain
La princesse de Montpensier
The Life and Death of a Porno Gang
Periferic
Le nom des gens
Cleveland vs Wall Street
The Wackness
Grey Gardens
Raavanan
Hanna
Un homme qui crie
Aurora
Somos los que hay
Orly
Cosa voglio di piu
The Company Men
Rabbit Hole
"Half Moon"
"Privatunterricht"
Unter dir die Stadt
Blue Valentine
Beginners
"Secrets of the tribe"
La antena
Attack the block
Le roi de l'evasion
Bobby Fischer against the world
Nostalgia de la luz
Unter Kontrolle
Adams Ende
Homevideo
Mörderschwestern
Nader und Simin
Arrietty
Incendies
Jane Eyre
Habemus Papam
Margin Call
Schlafkrankheit
Underwater Love
The Ides of March

aaand last but surely yes - maybe not least: New Kids Turbo

All das, und alles noch vergessene, hoffentlich ab Montag...und hoffentlich vor Ende 2012.

Delta (Kornél Mundruczó) 4,60

2011-11-25T15:35:00.002+01:00

Béla Tarr, Seom, Bruno Dumont, The War Zone, The Piano, sämtliche 'Außenseiter'- und 'Männer im Pub schauen finster wenn der Außenseiter reinkommt'-Filme und dann noch sämtliche Werke mit den Themen Gewalt gegen Frauen und Vergewaltigung.

Das alles kam mir während der ersten Hälfte dieses Films in den Sinn und das ist nicht positiv gemeint. Immerhin lief dieses Werk vor 3 Jahren im Wettbewerb von Cannes und wurde gar mit einem Kritikerpreis ausgezeichnet. Da sollte man schon ein bisschen was Eigenständiges bis Mitreißendes zu bieten haben. Ja, stimmt, es geht in diesem Fall inhaltlich um etwas Eigenes, nämlich Geschwisterliebe. Doch die Art wie dieser Film gemacht ist (inklusive seiner ziemlich oberflächlichen Schweigsamkeit sämtlicher Menschen), lässt kaum eine sensible Auseinandersetzung mit diesem Thema zu, Regisseur Mundruzcó ist auch eher auf eine schwelgerische und pathetische Inszenierung aus.

Immerhin ist die zweite Hälfte aus zwei Gründen nicht völlig vernachlässigbar. Erstens wird tatsächlich im Verlauf des Films ein schlichtes Holz-Haus am Wasser erbaut (wow!) und dann ist da noch das Ende mit einer eiskalten, schrecklichen Gewalttat. In diesen Momenten zieht sich alles zusammen und Mundruzcó trifft einen doch noch direkt im Inneren.

Aber wozu nun das alles und wozu dieser Film? Geht es wirklich darum ein Tabu der Gesellschaft zu diskutieren? Oder um die x-te Darstellung ruchloser männlicher Gewalt gegen Frauen bzw. Tabu-Begeher? Oder ging es vielleicht doch vor allem um eine möglichst schwelgerische Inszenierung?

Terri (Azazel Jacobs) 8,33

2011-11-23T18:53:00.004+01:00

Der neue Film des leise-heimlichen Indie-Heros Jacobs Junior beginnt wie eine gelassene Antwort auf das Extremdrama Precious: ein stark übergewichtiger Teenager, der gehänselt wird, steht im Mittelpunkt. Jacobs gelingt in der Folge einiges Außergewöhnliches: der Film könnte trotz seines wenig glatten Looks ein gängiges Außenseiterdrama Holly- (oder Indie-)woods sein, doch er wird immer wieder unangepasst in unerwartete Richtungen ausweichen, sei es dass urplötzlich trockener, schräger Humor auftritt oder dass der gutmütig-gelassene Terri viel mehr Profil und Charakter besitzt als erwartet.

Eine verwirrend-verstörende, ziemlich lange Szene gegen Ende macht etwas Sorgen, doch kaum ist sie vorbei, spürt man deutlich, was hier Schönes passiert: Unverkrampft, intim, fast wie im noch viel viel intimeren Vorgänger Momma’s Man sind Jacobs und sein Autor ganz nah an den jungen Menschen dran, die Erfahrungen machen, die Freunde werden. Ein positiver Film, jedoch ohne Happy End, ohne Katharsis; selbst ein Star wie John C. Reilly als schrullig-lieber Schuldirektor fügt sich perfekt ein in ein Werk, das ohne Willen zur Anstrengung oder Moral-Lektionen so viel Liebe und Wärme vermittelt, dass man allen Außenseitern und Gepeinigten, allen armen Seelen auf der Welt solche Weggefährten und so einen natürlichen Weg wünscht; hier werden keine „Probleme gelöst“, hier wird sich beigestanden – mit Coolness, Weirdness und ganz viel Herz.

IL - Greaves, Adachi, Rossellini

2011-11-21T17:36:00.006+01:00

Symbiopsychotaxiplasm: Take One (1968) 7,85

Den Titel versteht keiner, der Film macht es einem auch nicht leicht. Die doppelte Dokumentation eines komplizierten Filmdrehs im Central Park nutzt Regisseur William Greaves für ein exzellentes Verwirrspiel. Wenn die Crew diskutiert, was dieser Film soll und selbst darüber spricht ob dieses Gespräch vielleicht nur inszeniert ist, dann ist das schon sehr groß: der Film schlägt soviele kleine Haken und spielt sehr gefinkelt mit dem Verständnis des Publikums, dass er auch überfordernd wirken kann.

Richtig verschmitzt ist das Ganze, die Musik von Miles Davis könnte nicht besser passen, die Entstehungszeit Ende der 60er erlaubt eine einmalige Atmosphäre für so ein absurd-unerhörtes Experiment. Eine zeitweise intensive (das Treffen mit dem Obdachlosen!) und gleichzeitig herrlich satirische Abhandlung über, tja, vermutlich am meisten das Schauspielen. Bald folgt Take Two, haha…vor kurzem tatsächlich. Hintergründig-intellektuelle Scherzbold-Künstler wie Greaves braucht man.

Gingakei/Galaxy (1967) 7,xx

Die erste halbe Stunde ist eine Offenbarung, eine perfekte Verfilmung der schönen Wortkreation „Eskalierende Träume“, ein Film, der all das Wunderbare der „Traum-Werke“ von David Lynch weit zu übertreffen scheint. Versuchen der Geschichte zu folgen? Unerheblich bis unmöglich, vielleicht beim nächsten Mal. Diese Bilder, diese verstörende Schönheit genießen!

Aber dann kommt der Oberhoschi, ein unheimlich nervender Mönch und der Film kippt plötzlich in eine Richtung, die ganz und gar nicht mehr so verstörend ist wie all das zuvor, sondern nur noch kindisch. Vielleicht gehört auch das zu einem japanischen Film, vielleicht ist es auch unmöglich (oder gar nicht nötig) so etwas Wunderbares wie in den ersten 25-30 Minuten auf Spielfilmlänge zu bringen, doch was Masao Adachi dann macht, ist nur nervtötend. Verstörend sind aber auch weiterhin diese Zeichnungen von dämonenartigen Wesen mit verzerrten Gesichtern und Körpern – originäre Darstellung von absurd-grausamer Gewalt und Erotik. "Gingakei" ist alleine wegen seiner Positiva ein herausragender (meines Wissens im Moment nirgends außer vielleicht in Japan selbst, zu erwerbender) Film, ein zentraler Bestandteil des surrealistischen Kinos. Den ernüchternden Schluß- oder Zwischenteil kann man schon in Kauf nehmen…

India, Matri Bhumi/Indien, Mutter Erde (1959) 8,15

Die Leichtigkeit und Wärme dieses Films erfüllen mit Freude; wie gewitzt und gleichzeitig so straight (ganz anders als in modernen „Essayfilmen“) Rossellini hier porträtiert: wundervolles Einfühlungsvermögen für Mensch und Natur. So toll diese Dokumentation der Zweckgemeinschaft Mensch-Elephant! So zart die Geschichte des Ehepaars zwischen Kampf um Arbeit und dem Wunsch, an einem Ort glücklich zu werden.

Doch wiederum ist es leider ein Film, der das Niveau nicht ganz halten kann: die letzten beiden Episoden mit „Tierdramatik“ wirken arg gekünstelt inszeniert, wenn sie auch im Kern sehr schön sind. Das kann die unglaublich gute Stimmung, die einem diese liebevolle, meisterliche Reise zuvor gegeben hat, etwas mildern. Dennoch wünscht man sich viel mehr von so einer leichtfüßigen Art humanistischen Filmemachens!

Interludium - Arthur Penn & Soi Cheang x2

2011-11-18T18:52:00.004+01:00

Night Moves (1975) 6,95

Ähnelt ein wenig Polanskis Überwerk Chinatown ohne dessen Klasse zu erreichen; Penns Film ist weniger Krimi/Thriller als Porträt eines Mannes in Beziehungskrise, der halt auch cooler Schnüffler ist. Teilweise, aber fast zu selten ist die Inszenierung fiebrig, doch insgesamt ist das alles ein bisschen wenig packend. Wobei das auch nur mit Einschränkung gilt, denn wie so oft bei etwas dahinschleichenden Thrillern ist das Ende intensiv und gelungen.

Hyn huet ching nin/"New Blood" (2002) 7,32

Ein Horrorfilm, der im Kern eine tieftragische Romanze ist. Cheang erweist sich in diesem frühen Film gleich als kompetenter Koordinator von eleganten Kamerafahrten und eigenwilliger, ansprechender Ausleuchtung. Langsames Tempo und grelle Szenen dürfen hier eine schöne Symbiose eingehen. Eine kleine Freude für die Sinne also, die Geschichte dagegen endet etwas erzwungen twistend, ohne dabei stimmig zu sein. Über Cheangs in meinen Augen nicht ganz gelungenen aktuellsten „Accident“ liest man in manchen Texten „Meta-Film“, vielleicht ist das auch schon "New Blood". Interessant und unterhaltsam, mehr ist nicht dran.

Oi zok zin/"Love Battlefield" (2004) 8,10

Ein wüster Genrebastard, wieder mit hochromantischem Kern und menschlicher Tragik (im großen Stil) versehener, dabei hin und wieder mit überraschendem Humor versetzter Thriller mit all den typischen Elementen und Inszenierungseigenheiten des HongKong (Action-)Kinos, die man eh nur alle heiligen Zeiten mal im Kino genießen kann. Cheang gelingt hier das vollkommen, was mir in seinen restlichen gesehenen Werken ("Accident" und "New Blood") gefehlt hat: eine mitreißende (auch sehr pathetische) Geschichte um einen harmlosen Mann, der in die Fänge von Gangstern, und damit auch seine geliebte Frau (die ihn zuvor im Streit verlassen hatte) in Gefahr gerät. Dazu ist die Inszenierung mehr als nur gewohnt gekonnt, sie ist hochgradig packend. Ein „geiles“ Action-Liebes-Thriller-Drama mit allem was dazu gehört (und noch ein wenig mehr).

La Guerre est déclarée (Valérie Donzelli) 8,13

2011-11-16T20:03:00.002+01:00

Intensiv und impulsiv inszeniert ist dieses unkonventionelle, dadurch auch ein wenig an Kollegen des jüngeren französischen Films wie Mia Hansen-Love oder Arnaud Desplechin erinnernde Drama. Dem tragischen Thema eines jungen Elternpaars, bei dessen kleinem Sohn ein Gehirntumor diagnostiziert wird, gesteht die Filmemacherin keinen trüben Realismus zu, sondern lässt ihre Protagonisten (gespielt von ihr selbst und ihrem Ex-Partner!?) mit Verve ihr Schicksal bekämpfen.

Manchmal stößt das exaltierte Benehmen der zwei Liebenden etwas komisch auf, obwohl die Grundidee des Films, das Thema Kinderkrebs mit schwungvoll-positiven Eltern und einer sich jegliche Freiheiten nehmenden, verspielten Regie anzugehen, toll ist. Fein wird auch der Rückhalt des Familien- und Freundesnetzwerks gezeigt, durch den so ein dem Leben dem Krieg erklärender Zustand irgendwie erträglicher werden kann.

Der Krieg ist erklärt: ein Film mit erhöhtem Tränenflußaufkommen, der leider auch ein wenig seltsam endet. So schön ist es, wenn Donzelli und ihr ehemaliger Lebensgefährte (beide schrieben auch das Drehbuch, ob sie gemeinsam auch einen Sohn hatten, ist vielleicht zu vermuten, aber nicht gewiß) 95% des Films als perfektes, füreinander bestimmtes Paar agieren und dann ganz am Schluß doch erzählt wird, dass sie auseinanderbrachen. Auch wenn in der Realität des Lebens alles passieren kann, so scheint es gerade in diesen hochromantischen, kämpferischen, manchmal sogar surrealistischen Film einfach nicht zu passen, selbst wenn autobiographisch anscheinend genau das Gleiche passiert ist(!). Die schwelgerische letzte Einstellung lässt jedoch zumindest fürs Filmpaar hoffen, dass sie wieder zueinanderfinden und alles gut wird…

Aleksandra (Alexander Sokurov) 8,01

2011-11-11T15:56:00.006+01:00

Man muß diesem formal sehr trockenen Film Zeit geben, denn anfangs ist Großmütterchens Besuch im Armeestützpunkt etwas seltsam, undurchsichtig öde und wie bei Sokurov wohl üblich, sehr langsam gefilmt. Nimmt man sich die Zeit, wird man hinter den schlichten Bildern aber bald mit viel Tiefe belohnt.

Alexandra, die alte Dame, verlässt tagsüber den Stützpunkt und begibt sich auf den Markt der „Einheimischen“, um dort ganz friedlich mit einer anderen alten Frau den Nachmittag zu verbringen – gegenseitiger Austausch und kleine Hilfen der Zivilbevölkerung während ihre Länder Krieg führen. Das klingt auf dem Papier nicht neu, doch Sokurov hat einen vielschichtigen Zugang gewählt; dieser wird bereits durch die faszinierende Hauptperson verdeutlicht, eine trotzige, alles andere als offensichtlich „liebe“ alte Frau, die als Vehikel dient für pazifistische Elemente und die filmische Reflexion zum Leben, (im) Krieg, und spezifischer zu Themen wie hohem Alter/Jugend, Familie, Trauer, Liebe, der Sehnsucht nach Zärtlichkeit auch im hohen Alter und vermutlich noch einigem mehr. Ein sperriger und zugleich äußerst faszinierender Film, der vielleicht nicht so aufregend ist, dass man ihn unbedingt öfter sehen muß, lohnen könnte es sich auf alle Fälle.

Old Joy (Kelly Reichhardt) 7,95

2011-11-07T17:39:00.005+01:00

Sehr gelassene Verfilmung eines Wochenend-Trips zweier Freunde in den Wald. Die Frage, wie sehr sich der verheiratete "Normalo" und sein etwas sonderbarer Kumpel nach sehr losem Kontakt überhaupt verstehen, inszeniert Reichhardt unterschwellig knisternd und dennoch ultimativ entspannt (siehe die "warmen" Musikeinlagen der Band Yo La Tengo). Die amerikanische Filmemacherin konnte ihren Folgefilm Wendy and Lucy beklemmender und vielschichtiger inszenieren, beweist aber auch hier schon Gespür - wenn auch auf sehr meditativer Ebene. Doch diese ist nicht die einzige: Chillen im Wald und das Prüfen der Freundschaft wird ganz speziell umrahmt - von Radio-Diskussionen über amerikanische Politik- und Sozialthemen.

Putty Hill (Matt Porterfield) 7,98

2011-11-04T19:10:00.004+01:00

Am tollsten an diesem (im löblichen, sensiblen Sinn) pseudodokumentarisch angelegten (Miniaturen-)Soziogramm über eine Gruppe von Trauernden ist die sehr authentisch anmutende Stimmung, die geschaffen wurde. Wenn man krude Film-Vergleiche mag, könnte man das Werk fast als einen geerdeten Gegenentwurf zum überambitioniert-entrückten Enter the Void sehen. Hier wird mit anderen Mitteln eine gar nicht unähnliche Stimmung erzeugt, fast so als wäre nach dem Tod einer geliebten Person ein Wattefilter über alle Sinne gespannt. Porterfield verstärkt dies in seiner Inszenierung teilweise meisterlich, etwa wenn der Wortlaut einer beim Tätowieren gefilmten Unterhaltung nur durch Texteinblendungen deutlich wird. Es ist ein intimer Film mit intimen Momenten über unmittelbare Trauer(arbeit) und generellen Lebensfrust, die lokale Verwurzelung des Films und seiner großartig nicht film-stereotypen Charaktere kann man jederzeit spüren. Und dann ist da auch noch dieses wunderschöne, „künstlerische“ Ende mit den tanzenden, unscharfen Autolichtern.

La piel que habito (Pedro Almodóvar) 6,43

2011-11-02T19:27:00.007+01:00

Seltsamer Beitrag zum Transgender-Thema. Almodóvar entfaltet die kurios-düstere Handlung ruhig und ausführlich, trotzdem hält sich der Tiefgang in Grenzen und die Gefühlswelt der Charaktere mutet oft zu oberflächlich behandelt an. Eine gewisse Kühlheit gehört hier zwar zur Methode, ganz überzeugend ist diese aber auch nicht.

Die Inszenierung ist natürlich wieder gewohnt elegant und der Arthaus-Veteran hält Die Haut, in der ich wohne stets gekonnt unterschwellig spannend; besonders toll in Erinnerung, neben der obligatorischen Zuspitzung gegen Ende, bleiben diese sehr weirden, beklemmenden „Tiger“-Momente, die an die schräg-schrille Sexualisiertheit des frühen Almodóvar erinnern, nur eben schon deutlich gereifter inszeniert sind.

Das Ende des Films ist dann Almodóvar pur, plötzlich und schon fast völlig unerwartet gelingt es ihm, einem die Tränen ins Auge zu treiben und meisterlich zu schließen. Die knapp zwei Stunden davor haben solch eine emotionale Bindung zum Geschehen auf der Leinwand (wie in seinen vermutlich besten Werken Alles über meine Mutter und auch Sprich mit ihr) etwas vermissen lassen, sind jedoch von einer ganz eigenen Atmosphäre geprägt, die eher Oberflächenreize bedient. Das Drama um Körperidentität sowie die gruselige Mischung aus wissenschaftlicher Genialität und deren triebhaft-verzweifelt-pathologischer Umsetzung „hat was“, lässt aber zugleich auch ein wenig kalt. Und aus so einer Kälte kann zwar vielleicht im Film eine Persönlichkeit, beim Betrachter jedoch schwer Leidenschaft wachsen.

Katka (Helena Trestíková) 8,03

2011-10-29T13:04:00.001+02:00

Intensive, völlig „ungeschönte“ Langzeitstudie einer jungen drogensüchtigen Frau. Durch diesen Film wird die ganze Tristheit bis Schrecklichkeit einer solchen „Karriere“ hautnah, oft fast unerträglich spürbar. Man darf sich zu Recht fragen, „was es bringt, sich das anzuschauen“ und auch ernsthaft über ethische Grundsatzfragen anhand dieses heftigen Materials reflektieren.

Dennoch ist es zu respektieren, was die Filmemacherin geleistet hat, auch wenn sie vermeintlich bloß filmt, wie sich ein Mensch langsam zu Grunde richtet. Die Hoffnung stirbt zuletzt, das meint man auch bei dem Filmteam zu spüren, das Katka über die Jahre begleitet. Ob so ein Film etwas „bewirken“ kann, bei der Porträtierten selbst oder bei Leuten, die ihn sehen, kann kaum beurteilt werden, selten jedenfalls erhält man einen derart tiefen Einblick in das grauenhafte, trost- und nahezu hoffnungslose Leben auf der Straße.

Atmen (Karl Markovics) 8,22

2011-10-27T15:34:00.004+02:00

Sehr schönes, perfekt konzipiertes Werk des ehemaligen "Kommisar Rex"-Komikers(!), vielleicht fast ein bisschen zu durchkomponiert und formelhaft. Dennoch ist es einer dieser Filme, die so bewundernswert unverkrampft, mit manchmal notwendigem Humor und Gefühl enorm harte Themen (Jugendknast, Tod allgegenwärtig, Heimkind ohne Eltern) behandeln, hier in einer herrlich charmant-morbid-grantlerischen Wiener Art und mit gelassener Grundhaltung. Es ist auch einer dieser Filme, die vor allem von ihrem Hauptdarsteller leben: ein wortkarger, mitgenommener Jugendlicher im ruhig gefilmten Kampf um ein halbwegs normales Leben; da schaut man ihm gerne dabei zu, auch wie er (wieder etwas formelhaft, aber sehr lässig) im zunächst verhassten Berufsrivalen (dem "Kotzbrocken/Sympathler" Georg Friedrich) eine Art Vaterfigur findet, natürlich nicht bevor sie vorher eine Rauferei hatten.

In der Schlußeinstellung übertreibt es Markovics mit der Kameraführung (bis in den Himmel, bis in den Kitsch!), dennoch ist sein Debüt überzeugend und findet durchgängig einen sehr stimmigen Ton: von der nüchternen Darstellung eines Jugendgefängnisses und den mühsamen Schritten in ein erwachsenes Leben über die ergreifende Pflege einer frisch Verstorbenen bis zu bitteren und dennoch möglicherweise befreienden Auseinandersetzungen mit der eigenen Vergangenheit.

Les amours imaginaires (Xavier Dolan) 6,68

2011-10-25T11:15:00.004+02:00

Anfangs ist das Stylorama nur oberflächlich, hohl, platt und nervig, doch mit der Zeit bekommt Dolan Herzensbrecher in den Griff und vermag es, mit ähnlichen Mitteln wie schon bei J'ai tué ma mère (vor allem toller Montage, überlebensgroßen Emotionen und eigen- bzw. feinsinnigem Humor) zu unterhalten. Dennoch wird die Klasse des Vorgängers hier nicht erreicht, was auch mit der oft mühsamen bis nervigen Pseudocoolness der snobistischen „Künstler“-Charaktere zu tun hat.

Als wohltuender Gegenpol fungiert zum Glück dieses federleichte Changieren zwischen Ironie und Pathos; es scheint schon das Markenzeichen des jungen Filmemachers zu sein, dem verzweifelten Liebeswerben verleiht er vor allem als Darsteller ein Profil.

La mujer sin cabeza (Lucrecia Martel) 4,20

2011-10-24T13:49:00.003+02:00

Ein Film, den viele Kritiker sehr gut bewerteten und der in Reviews echt toll klingt, vor allem wenn man sich Texte nach dem Ansehen durchliest und von Aspekten erfährt, die man anhand des Films so nicht wahrgenommen hat. Doch Die Frau ohne Kopf ist, repräsentativ für zeitgenössisches argentinisches Festivalkino könnte man sagen, dermaßen sperrig gemacht und versteckt seine auf dem Papier anregend klingenden Pointen so sehr, dass er bei mir überhaupt nicht funktionierte.

Es besteht kaum Lust sich noch einmal mit so einem Film zu beschäftigen, ihm nochmal auf den Grund zu gehen, wenn er so langatmig inszeniert ist – auch wenn dies hier nicht ganz konsequent klingen mag: könnte man z.B. einem beeindruckenden Werk wie Caché nicht Ähnliches vorwerfen?

Ist es Martel im Gegensatz zu vielen Kollegen einfach nicht gelungen, den Zuschauer auch mit langsamen Tempo und wenig vordergründig „Passierendem“ zu fesseln oder kann der subjektive Eindruck in diesem Fall die mögliche Qualität des Films nicht erkennen? Ziemlich sicher liegt des Pudels Kern irgendwo dazwischen.

Dreileben (Petzold, Graf, Hochhäusler)

2011-10-23T11:59:00.005+02:00

Das im Vorfeld sehr aufregend klingende Projekt von drei guten Filmemachern aus Deutschland ist schlußendlich wenig begeisternd ausgefallen. Eine Verzahnung der Filme findet kaum statt und auch wenn eine solche wohl auch gar nicht angestrebt war, kann man sich schon fragen, wozu so ein Projekt, wenn es dann in jedem Film ein bis zwei kurze Szenen gibt, in denen Darsteller aus den anderen Filmen auftauchen und das war es dann auch wieder. Dies wirkt dann eher wie eine schlappe Hommage an das, was Tarantino mal in Pulp Fiction gemacht hat, aber von drei intelligenten Regisseuren hätte man sich lange Zeit danach etwas mehr erwartet.

Immerhin passen zumindest Petzolds und Hochhäuslers Film in Stil und vor allem bei der Inszenierung von Natur bzw. dem Wald als eher unheimlichen Ort ganz gut zusammen. Grafs Arbeit, die schwächste der drei, fällt auch hinsichtlich der Motive des Gesamtprojekts wenig gelungen aus.

Etwas Besseres als den Tod (6,08)

Petzold legt weniger einen Thriller oder Krimi, sondern eher eine – im Stil am ehesten an seine Werke Gespenster oder Yella erinnernde, leicht „gespenstische“ – Lovestory vor. Der junge Krankenpfleger, der sich in eine Ausländerin mit wilder Lebensart verknallt: das ist in seiner schicksalhaft-poetischen Art eine Weile fein, doch auf Dauer flaut es eher ab, die zweimal eingestreuten Veweise auf die folgenden Filme sind wie schon erwähnt nicht mehr als ein Augenzwinkern..

Der Film erhält gegen Ende dann noch einen tatsächlich mal recht gelungenen Twist, den man nie erwartet hätte – vermutlich einfach nur, weil einen die Story schon etwas eingelullt hat, bzw. weil das sich ständig beieinander wegen eher blöden Aktionen entschuldigende Liebespaar langsam ein wenig auf den Senkel geht. Petzold reißt aber zumindest am Ende das Ruder wieder herum, sodass ein insgesamt positiver Gesamteindruck zurückbleibt. Der Film reiht sich aber so gesehen auch ein wenig in seine Filmografie ein, weil er manchmal – neben genial dichten Geschichten wie Wolfsburg – fast zu entrückt und in sich selbst versponnen inszeniert; die „Cry me a river“-Szenen alleine zeugen jedoch auch von einer großen Meisterschaft. Leider insgesamt dennoch kein meisterlicher Film.

Komm mir nicht nach (4,30)

Alles was Graf stilistisch ausmacht, ist auch hier drin, aber wenn inhaltlich so wenig rauskommt, ist das auch wenig wert. Dies dürfte einer seiner schwächsten Filme sein, gerade auch wegen der ungenügenden Einordnung in den Überbau "Dreileben"-Projekt, welches sich immer mehr als müde herauskristallisiert.

Das Freundinnendrama um ein Liebesgeheimnis ist auch sehr lasch; lange wartet und wartet man, dass etwas Spannendes passiert und etwas Drive hinein kommt, doch Graf ist hier trotz Bemühungen, Intensität und unwohliges Knistern zu erzeugen, leider genau das passiert, was er bei Landsmännern oft anprangert: ein ziemlich ödes Werk.

Eine Minute Dunkel (6,05)

Hochhäusler ist durch seinen fabelhaften Falscher Bekenner (und auch durch seinen Blog, in dem er sich stets intelligent mit dem Medium Film auseinandersetzt) ein echter Hoffnungsträger. Doch auch sein Werk im "Dreileben"-Universum fällt nicht allzu großartig aus. Sehr ambitioniert zwar seine Inszenierung und der flüsternde Mörder(?) im Wald hat was, doch auch hier gilt Ähnliches wie schon bei den zwei anderen Filmen: Über 90 Minuten wird es etwas öde.

Vielleicht hätte aus diesem Grunde sogar ein (gemeinsamer) 120- oder 150-Minüter anstatt von langwierigen 270 besser funktioniert, auch wenn mir nicht in den Sinn kommt, die Arbeitsweise und die Vision der drei Regisseure zu hinterfragen. "Dreileben" wird aber nicht als genial (umgesetzt)es Konzept in die Filmgeschichte eingehen, sondern eher als Nebenkapitel im (groß-)teils sehr tollen Werk von Petzold, Graf und Hochhäusler.

The Guard (John Michael McDonagh) 7,49

2011-10-17T20:24:00.003+02:00

Schräger Brit-Gangster bzw. Buddy-Copfilm, bei dem die harsch-knurrige Art des von Brendan Gleeson dargestellten Polizisten anfangs gelinde ausgedrückt gewöhnungsbdeürftig, bald aber doch ziemlich lustig ist. Gleeson als provinziell-reaktionäres, im Kern vermutlich eh nobles und gerissenes "Arschloch" ist toll, die Chemie mit dem "gebildeten Vorzeige-Gentleman-Ermittler" Cheadle stimmt auch - vor allem als sie am Ende zusammen endlich richtig aufräumen (Guard goes John Wayne?), macht das Spaß.

Die (manchmal sehr ambitionierte) Inszenierung des Bruders vom In Bruges-Regisseur (der dort ebenfalls Gleeson besetzt hatte) ist bewusst „schief“ gehalten, baut aber gleichzeitig viel lokales Flair ein, filmische oder auch literarische Vorbilder sind stets präsent. Minimal trübt das böse, mild unkonventionelle Vergnügen, dass doch viele bekannte Elemente von verschiedenen Vorbildern (vor allem des britischen Gangsterkinos, ob ernst oder heiter) aufgewärmt werden.

Interludium - Bakshi, Miyazaki, Scorsese

2011-10-16T13:08:00.005+02:00

Fritz the Cat (1972) 8,03

Im legendären „Zeichentrick mit dem fickenden Kater“ liegt der Schwerpunkt gar nicht so sehr auf Sex, sondern eher auf sehr wilden, subversiven (politischen) Derbheiten. Bakshi, dessen Film nach der Vorlage von Robert Crumb oft selbst auf Droge scheint, überschreitet lustvoll alle vorstellbaren Grenzen des guten Geschmacks, der politischen Korrektheit und der Gewalt, was nicht immer nur einfach lustig, sondern manchmal gleichzeitig auch bitter, hart und anklagend kommt.

Tonari no Totoro/Mein Nachbar Totoro (1988) 8,05

Auch beim zweiten Mal kann es wiederum überraschen wie ruhig und gar höhepunktsarm dieses (Kult-)Werk - auch im Vergleich zu anderen Miyazakis - eigentlich ist; auch herrscht hier nicht die größte Komplexität. Dennoch so schön, so liebevoll, so knuddelig gestaltet und auch durch die stets vorherrschende Dramatik einer möglicherweise sehr ernsten Krankheit der Mutter alles andere als „simpel“.

Boxcar Bertha (1972) 7,85

Verspielte, auch typisch für den Meister sehr brutal gesprenkelte Outlaw-Ballade, in der die Vorliebe für (älteres) Kino immer wieder durchscheint. Auch die später noch ausgefeiltere Klasse und der Stil Scorseses sind schon deutlich ausgeprägt. Das inhaltlich mit Bonnie and Clyde verwandte Widerstands-Epos (dt.: Die Faust der Rebellen) ist kein herausragender, aber einer von vielen eindrucksvoll wilden amerikanischen 70er Jahre-Filmen (s.o.).

Tsumetai nettaigyo (Sion Sono) 7,92

2011-10-14T20:25:00.003+02:00

Nach dem ultraexzessiven Ai no mukidashi/"Love Exposure" ist Sonos Nachfolger oft fast wie ein gewöhnliches Thrillerdrama inszeniert, nämlich stilistisch wesentlich ruhiger und klassizistischer, aber mit einigen (filmtypisch japanischen) grotesken, bisweilen regelrecht kindisch anmutenden Schrägheiten gespickt.

Als Studie über männliche Machtkämpfe und fast schon erzwungenes Gewalt-Lernen sowie als Allegorie auf eine beinharte Geschäftswelt funktioniert Cold Fish ziemlich gut, gerät dabei mit Fortdauer gar ein wenig langatmig, eher er gegen Ende Züge eines (durch ständige Unterdrückung und Zwänge forcierten) „Japanese Psycho“ annimmt und konsequent und glitschig wie selten gesehen in (verstörend-beklemmendem) körperdekonstruktivistischem Radikalismus gipfelt. Leider hat Sono den Film um ca. eine (sehr blöde) Minute bzw. einen (sehr blöden) Satz zu lange gemacht, was zwar schade ist, den sehenswert-schaurigen Großteil des ultrakühlen (und damit ein wenig auch an die Radikalität von Kubrick erinnernden) Films jedoch retrospektiv nicht sonderlich zerstört.

The Woman (Lucky McKee) 8,23

2011-10-10T16:58:00.003+02:00

Kein reiner Terror- oder Horrorfilm, sondern eher eine schräge, böse Satire über männliche Gewalt gegen Frauen bzw. die schockierend-pervertierte Unzivilisiertheit zivilisierter Menschen, die „Tiere“ zu Menschen erziehen wollen. Aus dieser fiesen Prämisse macht Lucky McKee einen vor allem auf der Tonspur oft meisterlichen, argen Film, bei dem ein Gefühl von Spaß insofern nicht Überhand nehmen kann, weil der Hintergrund des brutalen Soziopathen-Anwalts (als „funktionierendes Mitglied" der zivilisierten Gesellschaft) mit krankhaftem Macht- und Gerechtigkeitssinn sehr bitter ist. Dass manche trotzdem an heftig unguten Stellen lachen, könnte manchmal besorgniserregend sein, manchmal kann man auch während dem betroffenen Schlucken ob der gezeigten Gewalt gar nicht anders als zugleich auch blöd grinsen: Torpedierung der moralischen Sinne.

The Woman ist jedenfalls eine, auch dank der unbekannten, radikal agierenden Darsteller sehr intensiv funktionierende, denkbar weit von jeglichem Mainstream entfernte Mixtur aus Elementen von Stoffen wie American Psycho oder Hostel, gemixt mit einem ausgeprägten Regiesinn für Humor und Beklemmung. Und ziemlich cool (im Sinne von kathartisch beuschelig) ist er vor allem dann mit diesem wahnwitzig-rasenden Ende auch noch.

Whores' Glory (Michael Glawogger) 8,47

2011-10-08T11:23:00.002+02:00

Michael Glawogger ist der Held des gegenwärtigen vielseitigen und dabei stets hochklassigen Filmschaffens. Mühelos pendelt er zwischen fiktiven und dokumentarischen Werken, beherrscht die hintersinnige bis groteske Komik ebenso wie die poetische Realitätsbeschreibung. Vor allem gelingt es ihm, (auch moralbezogene) Ambivalenzen des Lebens zu behandeln und wo könnte so etwas interessanter sein als in einem Film über Prostitution: ein explizit betitelter Hurenfilm, was schon von Beginn an Anrüchigkeit, Aufregung und auch die Abhandlung möglicher Ausbeutung verspricht.

Der Filmemacher vereint die vielen Aspekte dieses Themas, in dem er drei unterschiedliche Orte des Rotlichtmilieus auf verschiedenen Kontinenten erkundet: da schwelgt die Kamera schon auch mal bei den (teilweise) attraktiven Frauen, die Prostituierten jeden Alters kommen ausreichend zu Wort genauso wie die Freier und die Chefebene: wie aufgelegt ist das oft enorm skurril, doch manchmal erlaubt Glawogger auch schrecklich traurige Momente; am subjektiv schlimmsten sind hier die Eindrücke aus Bangladesch; einerseits ist gerade hier der Anteil an sehr jungen Frauen, für die das Puff als einziger Weg aus der noch schlimmeren Armut und dem Leben auf der Straße scheint, am höchsten, doch ebenso wird deutlich, dass der Gang ins Rotlichtviertel für viele Männer kein Akt der Ausbeutung, sondern etwas Alltägliches, etwas Essenzielles ihres Lebens ist. Glawogger klärte in einem Interview auf, dass das Rotlichtviertel für viele Jugendliche – eben auch für die Mädchen – die einzige Möglichkeit sei, ihre Sexualität auszuleben; auch das filmische Aussparen solcher Hintergründe kennzeichnet übrigens die Arbeit des Regisseurs.

Leider ist ausgerechnet die letzte Episode, die in einer ziemlich heruntergekommenen Region Mexikos angesiedelt ist, auch ein bisschen die magerste und der Film klingt weniger spannend aus als er vorher schon war, inklusive sehr inszeniert anmutendem „Nicht kommen-Akt“. Doch so ist Glawogger, er spielt auch gern, er versieht seine melancholischen Milieustudien auch gern mit einem Augenzwinkern. Und ganz am Ende klingt der Film dann plötzlich noch mit einer extrem bitteren Szene aus: bei all seinem Sinn für Humor scheut dieser Ausnahmeregisseur nie vor dem tiefen Blick in Abgründe zurück.

The Three Musketeers (Paul W.S. Anderson) 7,06

2011-10-01T23:50:00.003+02:00

Spaßig-trashiges Augenzwinkern-Spektakel. Der "B-"Anderson (der bereits tatsächlich so etwas wie eine eigene 3D Handschrift hat) schwelgt oft in eleganten Bildern und coolen Kamerafahrten - er tobt sich kunst-freiheitlich aus, bringt seine Ultra-Beschleunigungszeitlupe und Ehegattin Milla von den zuletzt erfreulich coolen Zombies ins Mittelalter mit, und liefert zwar kein euphorisierendes, aber ein immerhin (vor allem abseits von jeglichem Tiefgang) relativ funktionierendes Vergnügen ab.

Wie sieht hier eigentlich das Herz des bereits zigmal filmisch aufbereiteten Dumas-Romans, nämlich die Darstellung der Charaktere aus? Nicht ganz überzeugend. Die Musketiere sind ja per se schon ganz cool, bleiben in dieser Umsetzung aber alle eher blaß; am gewitztesten sind noch die Nebenfiguren und der junge, halbwegs cool-babyfacige D'Artagnan. Als der kindlich-tuntige König das erste Mal einspaziert, kann man schon das Schlimmste befürchten, doch die Figur ist eigentlich ganz nett gezeichnet. Waltz ist völlig verschenkt, Bloom als modisch-eingebildeter Brite ganz okay, der festere Komik-Sidekick überflüssig bis peinlich.

Was diese neueste Musketiere-Version dennoch sehenswert macht, sind so lässige Ideen wie die fetten Zeppeline, und ähnliche 'Over-the-Top'-Spielereien. Wie Anderson hier auf Traditionalismus pfeift, macht schon Spaß, weil es auch so offensiv sinnfrei und überzogen ist. Es gibt aber freilich auch enorm blöde Elemente wie Millas Tanz-Sprünge durch Sicherheits-„Laser“ oder ihr Überleben am Ende; wobei dies schon so jenseitig ist, dass alles schon egal ist. Besonders in Mitleidenschaft gezogen wird der Film durch solche kleineren Schwachsinnigkeiten jedenfalls nicht.

"Die drei Musketiere" aus dem Jahr 2011 ist kein großer Hit und man kann ihn stellvertretend für eine Art von (3D)-Kino-Mainstreamproduktionen sehen, die eigentlich gar nicht gut genug sind, um dafür den mit Kosten verbundenen Weg ins Lichtspielhaus anzutreten bzw. ernsthaft zu empfehlen – die aber umgekehrt einzig im Kino ihre größten Stärken ausspielen und die Mängel noch am ehesten vergessen machen können. Ein kleines Dilemma dieser „netten“, nicht charmefreien Unterhaltungsfilme, die ihren Zweck kurzfristig erfüllen, darüber hinaus aber nichts bieten.

Michael (Markus Schleinzer) 9,15

2011-09-28T19:33:00.002+02:00

Das österreichische Feel Good Kino ist wieder um ein Highlight reicher. Nun haben wir ihn also, den ersten Film nach Fritzl zum Thema Kinderknastkeller und Pädophilie. Wobei Schleinzer glücklicherweise alles andere macht als einen Film über diesen speziellen Fall zu drehen oder gar eine ins Extrem gesteigerte Geschichte zu bebildern, im Gegenteil, sein Werk ist ausgesprochen ruhig und unspektakulär, zwischendurch aber (wenig überraschend ob der Thematik) sehr schrecklich.

Michael heißt übrigens der Erwachsene und nicht das Kind, somit ist der Film vor allem das Psychogramm des (alles andere denn als reinen Monsters dargestellten) „Täters“ - auch wenn Wolfgang, der Junge, fantastisch gespielt ist (sogar so, dass man oft Angst bekommt) und als Identifzierungsperson dient.

Schleinzer scheint perfekt in die Reihe der jüngeren österreichischen „Elendsanalytiker“ wie Seidl und Lehrmeister Haneke zu passen, von diesem scheint er auch einen manchmal unterstellten „Sadismus“ übernommen zu haben. Keine sensationalistischen, jedoch äußerst unangenehme Szenen und eine Art Quälen des Zuschauers finden immer wieder statt – am Ende, in den Minuten vor der bereits vorausahnbaren Schlusseinstellung wird dies besonders intensiv deutlich. Diese Methodik des Filmemachers regt auf, macht fertig und ist gleichzeitig furios. Bemerkenswert ist dabei der Humor im Film (oder wie auch immer man es nennen soll): unerwartet bei so einem „schweren Thema“ gibt es gleich ein paar dieser skurrilen, „typisch östereichisch-provinziellen“ Szenen; der Pädo-Biedermann in der Arbeit, in der Kantine, vor allem beim Skiurlaub, da schießt Schleinzer die Lacher in den bereits ordentlich geplagten und verstörten Zuseher hinein und macht damit etwas, das man eventuell als „meisterlich“ , vielleicht gar nur als seltsam bezeichnen könnte.

Ob diese Methoden bzw. der komplette Film nun „etwas bringen“, was den Umgang mit der grausamen Thematik in der Realität betrifft, außer vielleicht ein medial ohnehin präsentes Thema noch einmal einem Diskurs zuzuführen, ist kaum zu sagen. Dennoch ist Michael definitiv das verstörendste und beklemmendste Werk seit langem - obwohl man zu Beginn noch meinen mag, man wüsste eigentlich eh was da so alles kommen wird. Dabei geht Schleinzer extrem zurückhaltend vor, was sexuelle Handlungen an sich angeht – und dennoch sind auch die Andeutungen kaum ertragbar anzusehen bzw. traut er sich ein paar Mal dann doch sehr viel. Eher steht im Film jedoch die Beziehung zwischen Mann und Kind, zwischen Täter und Opfer im Mittelpunkt; man weiß nicht wieviel hier Spekulation und wieviel repräsentativ ist, jedoch ist diese menschliche Extremsituation, wie sie hier im Kino erlebbar gemacht wird, schon etwas Besonderes, etwas enorm Aufwühlendes.

Fuith (der sympathische Rammbock-Wiener) gibt das Halb-Monster von nebenan mit ungeahnter Qualität, er verkörpert den Biedermann mit der schrecklichen Neigung perfekt. Schleinzer versucht vielleicht, das „Monster“ als „Mensch“ zu zeigen und er zeigt die Beziehung zwischen Mann und Kind auch als etwas sehr Ambivalentes. Gegen Ende nimmt die Dynamik einen vielleicht auch eher unerwarteten Lauf an – ein Film, der sich tiefer einprägt als jede Fritzl oder Dutroux Meldung. Wieviel das dem jeweiligen Filmfreund „wert“ ist, bleibt höchst subjektiv, festzuhalten ist in jedem Fall, dass Michael trotz bekannter Stilmittel (wie stiller bis ruhiger Kamera und einer bekannt „strengen Inszenierung“) ein herausragendes Werk ist.

Leonera (Pablo Trapero) 8,03

2011-09-23T22:40:00.004+02:00

Traperos Folgefilm zu Nacido y criado weist zu jenem sowohl Parallelen als auch Unterschiede auf. Wieder ist es die Studie eines Menschen, der aus seinem Leben gerissen wird, der danach zunächst einmal ganz alleine mit seinem Schmerz ist, und wieder ist es ein rauher, bisweilen sehr harter Film, der seine Hauptfigur jedoch nicht unter- bzw. eingehen lässt.

Diesmal steht eine junge Frau im Mittelpunkt, doch anders als im vorigen Film ist das "Leben vor dem großen Einschnitt" hier nicht zu sehen, der Auftakt ist gleich der große Knall. Die junge Frau muß ins Gefängnis bzw. in den Löwenkäfig ("Leonera" kann man anscheinend so oder so übersetzen).

Es gibt nun einige Unterschiede in Traperos stilistischer und formaler Herangehensweise. Hier ist alles deutlich nach "größerem Kino" ausgerichtet als im vorangegangenen Werk. Die Kamera liefert "schöne", kunstvoll ausgeleuchtete Bilder aus dem Knast, der Film ordnet sich hier auch deutlich in ein Genre ein, bewahrt sich aber neben der Möglichkeit zu kleinen Brüchen und Verspieltem auch stets seinen eigenen Ton, der vor allem schon dadurch entsteht, dass dies ein Gefängnis für Mütter und ihre Kinder, also ein spezielles Subsystem im System "Filmgefängnis", ist.

Ähnlich wie bei Un prophète werden wir von Beginn an die Hauptfigur gekettet, wir sind immer ganz nah dran und wissen nicht einmal ob sie schuldig oder unschuldig ist. Diese Frage wird aber ohnehin nicht die wichtigste im Film sein. Viel eher geht es darum ob und wie Julia es schafft, mit ihrem Schicksal - und ihrem zu Beginn noch ungeborenen Kind - klarzukommen. Trapero zeichnet dabei ein sehr ambivalentes Bild dieser Frau, die z.B. zunächst noch (eindringlich!) auf die ungeborene Frucht einprügelt und später verzweifelt versucht, ein enges Verhältnis zu ihrem Sohn aufzubauen.

Der Film ist vielschichtiger und ambitionierter als der sich zum Vergleich anbietende Vorgänger, dabei wirkt nicht alles immer stimmig, für dichte Spannung ist aber, auch dank des hervorragenden Spiels von Martina Gusman, immer gesorgt. Am Ende zwingt einen Julia noch einmal einen Schritt mitzugehen, bei dem man sie am liebsten zurückpfeifen würde, doch so blöde die Aktion in der tiefen Verzweiflung zunächst wirkt, so sehr gönnt der Regisseur seiner Hauptfigur mit einem meisterhaften, halb offenen Ende eine Art selbst erkämpfte Erlösung.

Poussières d'Amérique (Arnaud des Pallières) 7,83

2011-09-22T18:27:00.003+02:00

Meditativer, nachdenklicher Essay: die anstrengende, langsame Form (Satzteil – Bild – Satzteil – Bild) scheint zunächst nicht einzuladen, diesen Film anzunehmen, doch man kann schnell spüren, dass der Filmemacher mit Stil etwas transportieren vermag; möglicherweise weniger durch seine Texte, aber vor allem durch die vielen Archivbilder, die zum Träumen, Mitschauen und Nachdenken einladen.

Seine sentimental gefärbten persönlichen Texte verleihen dem Werk zumindest einen sehr persönlichen (teils enorm intimen, was immer man auch davon halten mag) Anstrich; auf künstlerischer Seite ist auch die Tonkulisse erwähnenswert: meist ist da „einfach“ klassische Musik, aber in manchen „Episoden“ gruselig unterlegte oder nicht unterlegte, aber noch viel beunruhigend eingesetzte Hintergrundgeräusche von Kindern, Hunden, rufenden Menschen etc…

Ein ziemlich massenuntauglicher Film, den man vielleicht gar nicht 97 Minuten am Stück sehen möchte oder kann und der es dennoch wert ist, sich in ihm, oder zumindest in Fragmenten von ihm zu verlieren. Weil es nicht nur um die Geschichte (bzw. den Staub) Amerikas, sondern um unser aller Leben geht – irgendwie…

Tournée (Mathieu Amalric) 8,25

2011-09-20T16:04:00.003+02:00

Ein verspieltes Erotikshow-Roadmovie: Regie-Debütant Amalric könnte sich dieses „freie“ Filmemachen von seinem Stammregisseur Arnaud Desplechin (vor allem vom letzten gemeinsamen Coup, dem bis jetzt völlig untergegangenen Un conte de noel) abgeschaut haben, ist aber stilistisch bei weitem nicht so experimentierwütig. Doch auch er hat einen Film gedreht, der keinen handelsüblichen Strukturen folgt, sondern jederzeit überallhin kippen kann; eine Flachserei kann zum Drama werden oder eine harmlos-skurrile Szene sich sekundenschnell in einen Eklat verwandeln. Mit dieser wundervollen, (schein-interpretativen?) Herangehensweise und vor allem auch mit seinem liebevoll-natürlichen Blick auf seine Darstellerinnen (und deren Körper und noch wichtiger deren Macken und Krisen) serviert uns Amalric eine großartige, fiebrige Show – und erfreulicherweise den komplexen Backstage-Blick gleich mit. Der Regisseur spielt dabei einen abgewrackten Provinztingler als halb tragische und halb (größere Hälfte) komisch-coole Figur. Ein in jeder Hinsicht „pralles“ Werk mit liebenswürdig schrägen Vögeln und eine Wundertüte voller erinnerungswürdiger Szenen.

Interludium - Cavalier, Hamburg, Hellman

2011-09-18T15:50:00.005+02:00

Le plein de super (1976) 8,28

Anarchisches Männer-Roadmovie mit Typen und Elementen, die heutzutage als politisch völlig unkorrekt gelten würden, in die (französischen Film-)70er aber perfekt passen: Wie aus Bedrohlichkeit und Antipathie sehr unkonventionell Freundschaft wird, wie sich der Film fließend und sehr ungekünstelt zwischen infantiler, schreiender und anzüglicher Komik sowie düsteren und ernsten Tönen bewegt, wie die 4 Männer auf sehr viel scheißen und dahin treiben, das beeindruckt. Super voll: Ein genial wildes, sehr eigenes Abenteuer.

I love you, Man (2009) 8,54

Beim zweiten Ansehen dieses so nett in Erinnerung gebliebenen Spaßes (dt.: Trauzeuge gesucht) schraubt man die Wertung mit gutem Gewissen höher. Eine geniale Komödie, bei der einfach alles stimmt: die Idee eine typische Rom Com über eine Männerfreundschaft zu drehen, die köstlichen Nebenfiguren, die Bandbreite des Humors (ja, auch eine umwerfende Kotzszene kommt vor!) und natürlich vor allem das kongeniale Gespann - sensibler Biedermann (Rudd) und schräger Lebenskünstler (Segel). Einem Film, der durchgehend so sympathisch und witzig ist, muß man sagen: I love you!

Ride in the Whirlwind (1965) 7,30

Der von Jack Nicholson geschriebene Western bezieht seinen Reiz zum einen aus der Reduziertheit (viel Schießereien, wenig Dialoge) und zum anderen daraus, dass harmlose Cowboys durch Zufall plötzlich für gefährlich gehalten, beinhart verfolgt und gehängt werden sollen: existenzielle Tragik mit einem bösen ironischen Augenzwinkern. Die etwas plätschernde erste Hälfte wird gegen Ende doch von wesentlich intensiverer Stimmung abgelöst; diese Zusammenarbeit eines teils sehr verehrten Filmemachers und einer späteren Legende (New) Hollywoods ist keine Großtat, aber ein schnörkelloser Western mit guter Idee.

Rise of the Planet of the Apes (Rupert Wyatt) 8,60

2011-09-16T15:09:00.003+02:00

Ein affengeiler Film, der mehrheitlich ohne Dialoge, mit Menschen als bloßen Nebendarstellern eine packende, dynamische (R-)evolutions-Geschichte erzählt. Der noch eher unbekannte Rupert Wyatt hatte mit The Escapist schon Talent gezeigt und sorgt nun mit überraschend viel Gespür und tollem Regie-Flow für einen äußerst coolen (Rand-?)Mainstreamer.

Der Film hat definitiv Schwächen (die andere Kritiker/Rezipienten/Fans teilweise auch stärker gewichten): man könnte sagen, die Menschen sind (außer Franco) hohl gezeichnete Klischeefiguren, John Lithgows Darstellung eines Alzheimerkranken wirkt sogar eher peinlich denn berührend, und auch der böse „Tierpfleger“ ist an der Grenze zur Lächerlichkeit. Auch sind die abenteuerliche Science-Basis der Geschichte und der Ausblick auf die eigentliche „Affen“-Saga eher vernachlässigbar.

Doch das ist alles egal und kann dem herrlichen Kern dieses umwerfenden Werks nichts anhaben, weil der Film auch für sich genommen bestens funktioniert, weil die Inszenierung der langsam aufgebauten, aber immer mehr mitreißenden Revolution der Unterdrückten vegetativ einschlägt, weil die (ziemlich stark animierten) Affen so umwerfend sind und sich so genial benehmen wie es eben nur Affen können. All you need for a film is apes and revolution.

It’s time to rise!

Nacido y criado (Pablo Trapero) 7,85

2011-09-13T17:19:00.003+02:00

Nüchtern ist der Titel (in etwa "geboren und aufgezogen"), unaufgeregt und ruhig die Inszenierung dieses Dramas um die zunächst schön anlaufende, dann tragische Geschichte eines jungen Vaters, der wegen einer dummen Aufmerksamkeit im Auto mit Frau und Tochter einen schweren Unfall baut.

Nach einem radikalen (Story-)Schnitt sehen wir ihn, alleine, in einer abgelegenen Einöde; die Träume von einem eigenen gemeinsamen Hotel mit der Frau sind vergangen, jetzt arbeitet er an einem trostlosen, meist geschlossenen Flughafen und ist, wenn auch für Außenstehende kaum merklich, schwer traumatisiert vom Verlust seiner geliebten Familie.

Es ist ein ungewöhnlich ruhiger, aber durchaus rauher Männerfilm, der sich viel Zeit lässt um seine Hauptfigur das schreckliche Erlebnis verarbeiten zu lassen: definitiv ein mühsamer, trister Weg dies durch Alkoholexzesse und verzweifelten Sex zu versuchen. Männliche Einsamkeit sowie Freundschaft sind weitere Motive. Man muß sich natürlich einlassen, den armen Hund auf diesem Weg – in beschleunigter Spielfilmfassung – zu begleiten; entlohnt wird man mit einem, trotz bitterer Thematik, schönen „kleinen“ Film und einem erstaunlichen Ende.

No One knows about Persian Cats (Bahman Ghobadi) 8,05

2011-09-12T10:22:00.002+02:00

Gewitzter, subversiver Streifzug durch den musikalischen „Underground“ des Iran: Zwei Musiker wollen eine Band gründen und dann ins Ausland gehen, auf der Suche nach Gleichgesinnten klappern sie etliche Bands sämtlicher Musikstile ab, die Ghobadi immer spielen lässt und - musikvideo-artig, rasend - Bilder aus dem Alltag des Iran dazu montiert. Der Film hat eine positive, revolutionäre Grundstimmung, die nach einer Weile zum Mitschwingen einlädt. Ghobadi, ein außergewöhnlicher Filmemacher solch großartiger Werke wie Die Zeit der trunkenen Pferde und Schildkröten können fliegen, gibt natürlich auch den tristen Seiten der (lokalen) Welt einen Platz (und singt auch, wie man erst im Abspann realisiert, selbst im Film, richtig rauh und melancholisch).

Etwas schade sind die finalen Minuten, in denen plötzlich handlungslastige Tragik eher aufgesetzt wirkt und das flotte Feeling des Films durch langsames Tempo ersetzt wird: nicht ganz gelungen und nicht ganz zum Rest passend dieses Ende. Dennoch ist dies einer der besten Musikfilme, die man sich vorstellen kann, wegen seines frechen politischen Grundtons und weil er die Bandbreite toller Musik, von Akustikballaden zu Metal, von Rap zu folkloristischer Musik, vom Blues zum Indie Rock vermittelt; ideal für einen entspannten Abend, bei dem man zusätzlich ein vielleicht noch ungekanntes Gefühl für ein arabisches Land und Leute bekommt.

Midnight in Paris (Woody Allen) 5,40

2011-09-11T13:18:00.002+02:00

Aus der sehr charmanten Idee eines geplagten Schriftstellers, der in Pariser Nächten auf Literatur- und Kunstgenies der Vergangenheit trifft, macht Woody Allen im Detail leider eher wenig. Der Witz der Gegenwartshandlung um Frau, Schwiegereltern und Nebenbuhler fällt auch flach oder zu bekannt aus, gerade im Vergleich zu den vielen besseren Werken des alten Helden des Neurotikerwitzes. Ob die Darstellung der zahlreich auftretenden Promis wie Fitzgerald, Hemingway oder Dali gut gelungen/parodistisch ist oder nicht, mag ich nicht beurteilen, jedoch bleibt eher der Eindruck eines flachen Schaulaufens.

Besonders witzig ist das alles nicht, durchaus aber romantisch in jedem Sinne. Owen Wilsons Flanieren durch die nächtlichen Straßen, sein Eintauchen in eine besondere Welt, das macht Laune und man kann sehr beschwingt aus dem Film gehen, obwohl er eigentlich ziemlich mittelmäßig ist. Am Ende ist immerhin die Idee mit dem weiteren Zeitsprung witzig.

Die Liebe der Kinder (Franz Müller) 7,43

2011-09-10T11:01:00.003+02:00

Ein Beziehungsfilm, der bzw. dessen Liebespaar sich besonders unkonventionell gibt. Was der fast schon avantgardistisch abgehackte Stil alleine jedoch nicht schafft, vermag die zweite Ebene an Profil einzubringen: Als sich die Kinder der Verliebten auch noch verlieben, gerät die Welt der zuvor so „coolen“, alles andere als biederen oder verklemmten Eltern aus den Fugen…

Die wesentlich bodenständigeren Erziehungsfragen und zu bearbeitenden Eltern-Kind Beziehungen, die sich daraus ergeben, sind das Spannendste am Film; wie Müller die eigentliche Beziehung der Erwachsenen inszeniert, ist schon auch sehenswert und manchmal sehr intensiv, doch es bleibt neben allem, in dem der Film schon toll ist, halt auch ein wenig das Gefühl von Künstlichkeit und allzugroßem Bemühen, besonders ausgefallen zu sein.

Cars 2 (John Lasseter & Brad Lewis) 7,44

2011-09-06T17:57:00.004+02:00

Nach den coolen Käfern, Monstern und Unterwasserwesen schienen sprechende Autos von Pixar vor ein paar Jahren eher blöd denn cool zu sein und der erste "Cars"-Teil besaß vor allem auch bei weitem nicht die Originalität und den Irrwitz seiner Firmenkollegen. Dennoch war der Film aller Skepsis zum Trotz charmant und auf simpel-gutmütige Art gelungen. (Die detailverliebten, immer sympathischen Pixar-Produktionen sind Konkurrenten a la Rio ohnehin fast immer überlegen.)

Der zweite Teil beginnt wie James Bond mit Autos: man hat sich bereits an das „everything goes“ gewöhnt und kann fortan den ulkigen Nonsens genießen. Dass das eher amerikanisch-Provinzielle mit der weiten Welt und den übrigens atemberaubend und Kieferschluß-verunmöglichend animierten Schauplätzen in Japan und Italien (sowie einer kurzen, ganz netten Klischeeparade in Paris) ersetzt wurde, lässt den Film nochmal unterhaltsamer und ansprechender werden.

Leider wohnen dem Auto-Rennen-Geblödel (das sich natürlich nicht annähernd auf wahnwitzigem Ricky Bobby-Niveau befindet) teilweise auch schrecklich abgestandene Klischees und allzu dümmlicher Humor inne, doch andererseits entschädigen die Rasanz (und Spannung) der Rennen sowie der parallel montierten Spionagestory dafür deutlich – Cars 2 ist sicher nicht der faszinierendste Pixar-Output, macht aber eine Menge Spaß und sollte mit Einschränkungen für alle Fans von turbulent-kindgerechter, aufwändig animierter Action-Komik sehr sehenswert sein.

The Man from London (Béla Tarr) 6,71

2011-09-04T20:58:00.002+02:00

Ein richtig sperriger Film des Königs der Ultra-Langsamkeit, der elend langen Kamerafahrten: dieser sehr spezielle Stil machte schon den faszinierenden Vorgänger Werckmeister Harmoniak anstrengend, an den über 7-stündigen Satantango mag man gar nicht denken. Auf Plotebene scheint dieser Film (ein Krimi nach Georges Simenon) eher simpel gehalten und damit in Kombination mit der quälenden Langsamkeit schon früh zu verlieren – im Kino würde man so etwas vielleicht kaum ertragen. Doch zuhause vor dem Fernsehgerät (in diesem Fall unter Begehung einer cineastischen Todsünde namens leichtem Vorlauf und Einlegen von Pausen) kann der Film nach einiger Zeit doch noch erfreuen; während Tarrs ständige Spiele mit Licht und Schatten des in sehr elegantem Schwarz-Weiß gedrehten Werks ohnehin faszinieren, kommt mit Fortdauer tatsächlich noch Schwung (naja, so etwas wie S..c..h..w..u..n………g) hinein; initiiert vielleicht von einer unerwarteten Tanzszene wird man aus der Apathie geweckt und weiter "gefesselt" durch die hypnotische Wirkung des Filmens schrulliger Gesichter, die (während getragener Dialoge und dazwischen) leiden und ihr Leid reflektieren, ist dem Werk noch Einiges abzugewinnen, auch wenn man den Plot vielleicht aufgrund vorhergehender Zuseh-Qualen schon gar nicht mehr zur Gänze fassen kann. Schlußendlich schaut man diese mehrsprachige Ultrazeitlupenkunst doch noch zu Ende und da offenbaren sich immer mehr die Qualitäten in Tarrs originell-tiefschürfender Inszenierung eines „gewöhnlichen Krimis“: die existenzielle Tragik der Figuren bleibt haften und beeindruckt.

Interludium - Crichton, Mulcahy, E.Roth

2011-09-03T11:00:00.003+02:00

Westworld (1973) 8,45

Kultige Sci-Fi Satire auf Menschen, die im Urlaub ihre Fantasien ausleben und dabei Roboter ausbeuten dürfen. Die sich schönerweise irgendwann rächen und richtiggehend Amok laufen. Der Film ist nicht besonders dicht, eher locker unterhaltsam. Extrem interessant sind aber Yul Brunner bzw. diverse Vernichtungsszenen am Ende als offensichtliches Terminator-Vorbild!

Highlander (1986) 7,88

Grenzgeniales Trashvergnügen - lag vielleicht zu mehr als 50% an der deutschen Synchronisation, vor allem des ständig schrecklich grunzenden(?) Bösewichts. Doch auch die Blicke und Gesten von Lambert in den Highland-Szenen sind göttlich. Inszeniert ist der Film ziemlich cool, die Kamera wie auf Drogen - Mulcahy enorm ambitioniert, extravagant zu sein. Die Mischung aus epischen Kampfszenen, Terminator-Kopie-Anteilen und herrlich naiven (Story-)Elementen sorgt für mächtigen Spaß.

Hostel 2 (2007) 5,31

Im Prinzip der erste Film noch einmal mit ein paar guten Ideen, die Roth sozusagen zu spät gekommen sein dürften. Es bereichert das kleine Hostel-Universum zwar (satirisch), dass der Fokus mehr auf die Kunden gelegt wird, und auch die schaurigste/ansprechendste Szene des Films mit der Blutbadewanne (sowie vielleicht noch die klamaukigste mit der Kastration) sind sehenswert, doch sie rechtfertigen ein sonstiges schlichtes Aufwärmen und zunehmend langweilendes Wiederholen des ersten Teils halt kaum.

Unten Mitte Kinn (Nicolas Wackerbarth) 6,93

2011-09-02T10:37:00.004+02:00

Wenn man so wie ich diese typische Theater-Atmosphäre, dieses Gehabe kaum ausstehen kann, dann scheint dieser Film zunächst auch nichts zu sein. Die Akteure präsentieren sich anfangs noch extra unsympathisch und nervig. Doch Wackerbarths Film erreicht irgendwann diese Schwelle, an der man dann vielleicht doch nicht abdrehen mag: er entwickelt einen Sog. Das Ebenenspiel mit einem dokumentarisch wirkenden Film über Schauspieler, die immer wieder Szenen proben und bei denen es vielleicht auch dazwischen darum geht, anderen etwas vorzuspielen, ist sehr geschickt angelegt. In den besten Momenten (die sich mit Verlauf immer mehr häufen) ist eine angespannte Stimmung spürbar, fast so als ob man sich in einer Art Horrorfilm befände, in dem jederzeit etwas Grausames passieren könnte (vielleicht könnte man bezüglich Look und Stimmung sogar eine ferne Verwandtschaft zu Black Swan attestieren, natürlich ohne jegliche Fantasyelemente).

Selbst wenn einem diese Theater(stadl)welt an sich also eher fremd ist und das Getue peinlich anmutet, fesseln die Figuren und ihr Schicksal, man erkennt die Qualität, die Wackerbarth subtil in diesen oberflächlich total glanzlosen, aber gerissenen Film einflicht. Das Ende ist überraschend, witzig, frech und unverschämt offen. Abgangsapplaus nach anfänglicher Skepsis!

Bridesmaids (Paul Feig) 8,92

2011-08-31T23:58:00.006+02:00

Der lustigste Film des Jahres, den man auf keinen Fall als müden „Frauenfilm“ oder gar als Hangover mit Frauen (WTF?) verkennen sollte ohne ihm eine Chance geben zu wollen. Die schauspielende Komikerin und Co-Autorin Kristen Wiig liefert eine sympathisch-niedlich-witzige Performance, flankiert von Nebendarstellerinnen, von denen die rüstigste für die tiefsten, aber auch am stärksten Lachtränen-evozierenden Momente sorgt.

Der Film ist in Apatow-Producer-Tradition etwas länger als die sonst üblichen 90 Komödien-Minuten, im Kern ein romantischer Liebesfilm und Abhandlung über beste Freundschaft (u. verbitterte Rivalität) zugleich (damit verwandt mit dem auch sehr feinen I love you, Man) und bietet die typische Mischung aus gut ausgeklügeltem Klamauk und kleinen feinen Blödeleien, bei denen nichts zu blöd ist (80%) und Herz (20%) – nur diesmal eben mit irre und hemmungslos lustigen Frauen anstatt den gewohnten Männerfiguren im Mittelpunkt. Ein im Grunde simples Konzept mit bewährten Komik(er/innen)-Elementen, die aber so gekonnt umgesetzt und federleicht verwoben wurden, dass man „Brautalarm“ für seinen entwaffnenden Charme und forschen Esprit - vom kleinen "is this your partner"-joke über Brechdurchfallorgien bis zu Peinlichkeiten im Flieger (usw. usf.) - einfach lieben muß.

Super 8 (J.J. Abrams) 6,44

2011-08-28T21:59:00.003+02:00

Das nostalgische Sci-Fi/Kinder-Filmemacher - Abenteuer ist unterhaltsam, spannend und sehr gekonnt inszeniert, doch insgesamt drückt diese intensive Hommage an vergangene Filme - in Verbindung mit deutlichen Elementen aus dem noch sehr jungen Cloverfield - die Wertung schon beträchtlich. Viele Szenen sind für sich genommen toll, das betont kitschige, spielbergeske Ende kann Tränen rinnen lassen und dennoch fehlt dem Film letzendlich so etwas wie eine eigene Seele. So gesehen sind es vielleicht die besten Momente, als im Städtchen gegen Ende die (Kriegs-)Hölle ausbricht und die Kinder sind mitten drin, wie Soldaten in diversen Kriegsfilmen Hollywoods: schräg-naiver Surrealismus.

Sehr charmante Meta-Spässchen wie der Zombiefilm im Abspann scheinen typisch für Abrams, ebenso sein ausgeprägter "Lens Flare"-Tick, dessen exzessive Einsätze einen besessenen, stur-autistischen Filmemacher vermuten lassen. Sein Super 8 wird wegen seiner nostalgischen Machart bereits von vielen geschätzt und ist auch nett, aber leider auch nicht viel mehr als eine Art liebevoll ausgearbeitetes Best of aus liebgewonnen Werken der Filmgeschichte.

Buried (Rodrigo Cortés) 6,11

2011-08-26T12:33:00.003+02:00

So ein Konzept kann kaum perfekt aufgehen, doch die „Eier“ des Machers erfreuen. Man sieht tatsächlich 90 Minuten nur Ryan Reynolds im Sarg (telefonieren und schreien).

Kleinigkeiten wie die Schlange oder Reflexionen über die Sinnhaftigkeit des gigantischen Aufwands einer derartigen „Geiselnahme“ kategorisieren den Film natürlich eher unter lächerlich, doch die Konsequenz des Kammerspiels und das 'Wissen wollen wie es ausgeht' sind schon spannend…

Gamer (Neveldine & Taylor) 7,19

2011-08-25T09:53:00.004+02:00

Wiederum wird uns von den beiden Enfants Terribles eine völlig irre Optik und Dynamik geboten, die zwischenzeitlich schon fast schwindel- oder übelkeitserregend wirken kann. In Zeiten, in denen manche Filmfans über nervöse Kameraführung in vielen Filmen klagen, gehen Neveldine und Taylor tatsächlich ins Extrem. In der völligen Aufhebung von gewöhnlichem Actionkino sind die beiden aber auch ungemein aufregend. Die Inszenierung einer mehrdimensionalen, computerisiert sozial vernetzten Welt gelingt sehr plastisch und natürlich total überspitzt, hat aber zugleich auch fast ekelerregend plausiblen Unterboden. Der eklige Fettsack etwa, der sich virtuell aufgeilt: das ist völlig ungehobelte Satire, der natürlich Feingefühl fehlt, die aber mit ihrer rohen Art auch Spaß macht.

Gamer ist hinsichtlich seiner Story deutlich mehr down to the earth als Crank 2, vielleicht fehlt dem martialischen, selbst in der leider nur gekürzt gesehenen Version Brutalitäten auskostenden Spektakel ein bisschen der völlige Wahnsinn, der den „Vorgänger“ auszeichnete. Im Kern ist es eine Sci Fi-Dystopie, die einem in vielerlei Hinsicht schon bekannt vorkommt: solche Gedanken konnte man beim zweiten Crank Teil kaum haben.

Einiges in diesem Film wirkt nicht ganz koscher, viele würden auch blöd und überdreht sagen, doch die beiden Regisseure toben sich richtig aus, liefern ein überlanges Musikvideo auf Speed mit ungefiltert grober Reflexion von Perversionen und Gewalt: positiv schwindelerregend und in der heutigen Filmwelt wohl einzigartig, aber zugegeben natürlich ohne jeglichen Tiefgang und bei weitem auch nicht ganz großes Kino.

Delirious (Tom diCillo) 8,21

2011-08-24T10:39:00.003+02:00

Mit seiner zwerchfellbombardierenden Filmdrehchaos-Groteske Lost in Oblivion hat sich Tom DiCillo in den 90ern einen Namen gemacht, kurz danach folgte mit The real blonde eine witzige, aber nicht ganz so stark nachhallende Satire. Die Vorfreude auf eine neue Komödie nach einiger Wartezeit (der Film wurde gerade erst 5 Jahre nach Entstehung im dt. TV als "Blitzlichtgewitter" ausgestrahlt) wird nun nicht enttäuscht. Michael Pitt als „echter“ und Steve Buscemi als halber Penner sind als Cast sowieso schon ein Hit. Die Satire im schmierigem Gesamtlook um Starrummel und Paparazzi mit Liebesfilm-Beilage pendelt stets unterhaltsam und launig zwischen Slacker-Männerfreundschafts-Blödeleien und profunden Seitenhieben auf das „Biz“. Regel Nummer 1: Ansehen!

Q & A

2011-08-22T09:33:00.011+02:00

Es scheint unter Filmbloggern eine kleine Tradition zu sein, sich gegenseitig Umfragen zuzuschanzen, sozusagen wie ein „Stockerl“ zuzuwerfen, das man nach Ausfüllen wieder anderen Kollegen oder Kolleginnen weitergibt. In meinem Fall hat es mir der geschätzte Herr hinter den „Sieben Berge“n zugeworfen und es hat Spaß gemacht, sich mit den Fragen auseinanderzusetzen. Here are also nun the results of the psycho-telephonebooker jury:

Ein Film, den du schon mehr als zehnmal gesehen hast?

Den gibt es nicht. Viel öfter als 3-4mal habe ich garantiert noch keinen Film gesehen. Vermutlich sogar keinen öfter als dreimal (darunter sind Herr der Ringe 1, Pulp Fiction, Terminator und Face/Off...das war es wohl schon wieder).

Ein Film, den du mehrfach im Kino gesehen hast?

Jeweils zweimal waren das Herr der Ringe 1 und American Beauty. Letzteres war auch eher sozial motiviert. Sonst habe ich kaum das Bedürfnis, in kurzer Zeit nochmal zu gehen, auch nicht bei fantastischen Werken.

Ein Schauspieler, wegen dem du eher geneigt wärst, einen Film zu sehen?

Mittlerweile sind es eher die Regisseure, die meine Filmauswahl beeinflussen.
Vor einiger Zeit hätte ich noch gesagt: de Niro, eventuell auch Norton und Bale. Jake Gyllenhall mag ich auch gerne, aber wenn der in einer faden RomCom mitmacht, schau ich sie mir deshalb nicht an, auch de Niros Karriere wurde ja irgendwann uninteressant. Jemand, den ich auch sehr gern mag und der im aktuellen Geschäft meinem Gefühl nach die beste Rollenwahl hat, ist Leonardo di Caprio. Und Daniel Day-Lewis natürlich.

Ein Schauspieler, wegen dem du weniger geneigt wärst, einen Film zu sehen?

Gibt es nicht. Jemand, den ich in seinen typischen Filmen nie mochte, ist Adam Sandler, aber in Funny People war er z.B. super.

Ein Filmmusical, dessen Songtexte du komplett auswendig kannst?

LOL

Ein Film, bei dem du mitgesungen hast?

Bei Toy Story – mit meinem Quasi-Schwipp-Neffen. ;)

Ein Film, den jeder gesehen haben sollte?

Wenn ich nach dem „einen“ gefragt werde, erwähne ich immer „am ehesten“ 2001. Gäbe davon abgesehen vielleicht noch ein paar humanistisch geprägte Werke, die man für so einen "Auftrag" in Betracht ziehen könnte…

Ein Film, den du besitzt?

Einer? Sind doch sehr viele. Eine Zeit lang war ich auch dem DVD-Sammeltick verfallen, mit der Absicht irgendwann mal jeden herausragenden (oder im TV meist geschnittenen) Film zuhause zu haben. Tja - ein letztlich doch eher zum Scheitern verurteiltes Verfangen, bei dem es selbst bei intensivem Sammeln und Geld ausgeben immer wieder große Lücken geben wird müssen. Tolle Filme zuhause zu haben ist aber schon was Feines (auch wenn man sie verhältnismäßig nie ansieht).

Ein Schauspieler, der seine Karriere nicht beim Film startete und der dich mit seinen schauspielerischen Leistungen positiv überrascht hat?

Pff, keine Ahnung.

Schon mal einen Film in einem Drive-In gesehen?

Nein. Gibt es bei uns überhaupt Autokinos? Könnte als einmaliges Erlebnis lustig sein, muß aber nicht.

Schon mal in einem Kino geknutscht?

Ja, schon, aber ich wende natürlich ungern meinen Blick (und die Aufmerksamkeit) von der Leinwand. Kurzes Bussi oder streicheln ist ok. ;)

Hast du jemals das Kino verlassen, weil der Film so schlecht war?

Never. Seltsamere oder offensiv anstrengende Werke, bei denen andere in Scharen rauslaufen, sind für mich meist genau das Richtige (auch wenn sie mir im Endeffekt vielleicht auch nicht gefallen). Persönliche Highlights bezüglich der Verlassensrate: El Cant dels ocells/Birdsong: der war wirklich mühsam, habe aber durchgehalten und mich trotz vielem Stöhnen und Ächzen irgendwie amüsiert; und natürlich der großartige Trash Humpers (da sind auch viele rausgegangen, haha).

Ein Film, der dich zum Weinen gebracht hat?

Kommt bei mir durchaus häufig und dann auch sehr exzessiv vor. Bei sehr emotionalen Szenen schießen die Tränen regelmäßig dahin. So geht es wohl wenigen, ist aber ein sehr schönes Phänomen, wie ich finde. Etwas irritierend ist es nur, wenn es bei Filmen passiert, die ich schon etwas distanziert oder kritisch betrachte (etwa jüngst bei Super 8).

Popcorn?

Schmeckt mir schon sehr gut, aber ich kaufe es kaum noch im Kino. Ob es was mit meinem Wandel vom „Popcornkinogänger“ zum „Kunst-Telefonbuch-Genießer“ zu tun hat? ;)

Wie oft gehst du ins Kino?

Seit ca. 2 Jahren so oft wie nie zuvor, im Schnitt 1-2 mal pro Woche. Es laufen eigentlich jede Woche mehr als 2 interessante Sachen (in Wien) an, also könnte ich ständig gehen, was natürlich dem Rest des Lebens nicht so zuträglich ist. ;) Sollte ich mal aus Wien wegziehen, könnte die Quote wieder deutlich sinken, weil mich vor allem die Randfilme anziehen; Mainstreamsachen dagegen, selbst die „publikumsfreundlicheren Arthausfilmchen“ mittlerweile viel weniger..auch der Originalton spielt inzwischen eine sehr große Rolle.

Welchen Film hast du zuletzt im Kino gesehen?

Eigenartige Frage. Spannender wäre vielleicht: „Was war der beste Film, den du dieses Jahr im Kino gesehen hast?“ (Dann hätte ich den wunderbaren Another Year anführen können.)
Zufällig war aber auch der letzte, den ich gesehen habe, der fast ebenso großartige Bridesmaids. Irre lustig, den Film kann man sich gleich auch bei den Wein- und Lachfragen dazu denken.

Dein Lieblingsgenre?

Das gibt es so nicht. Ich habe seit meiner Pubertät ein Faible für Kriegs-, Gefängnis- und Gangsterfilme, auch „Sozialdramen“ aller Art faszinieren mich meistens sehr. Natürlich mag ich auch Action, Sci-Fi und Horror, aber in jedem Genre gibt es halt großartige aber auch viele mittelmäßige bis völlig überflüssige Sachen. Komödien sind natürlich auch immer gern gesehen. Viel lieber als Genrefilme mag ich aber sowieso solche, die Grenzen sprengen, unvorhersehbar verlaufen, uneinordbar sind, usw..

Der erste Film, den du im Kino gesehen hast?

Vermutlich Arielle. Ich bin halt mit Mutter und Schwester mitgegangen. ;)
Der erste, den ich auf Eigeninitiative gesehen habe, könnte Jurassic Park gewesen sein - da war ich glücklicherweise im perfekten Alter für so ein Spektakel. :)

Welchen Film hättest du lieber niemals gesehen?

Ach..selbst die miesesten Sachen (deren Quote bei mir eh verschwindend gering ist), stellen Erfahrungen dar. Wenn ich meine Tiefstbewertungen so überfliege, könnten es vielleicht am ehesten Invernadero und Eden Lake sein.

Der merkwürdigste Film, den du mochtest?

Vermutlich Begotten. Ansonsten gibt es sicher sehr viele Filme, die ich mag, und die Leute aus meinem Umfeld als mindestens merkwürdig bezeichnen würden…aber Begotten war echt seltsam. ;)

Der beängstigendste Film, den du je gesehen hast?

Hmm, die schlimmsten Erinnerungen habe ich an Blair Witch Project und Schweigen der Lämmer. Jeweils alleine im Dachgeschoss des Elternhauses gesehen. Beim Schweigen war ich noch sehr jung und der Film hat mich für einige Zeit auch nachhaltig verstört. Bei Blair Witch war ich schon über 20, aber ich war während und nach dem Ende richtig geschockt und hatte tatsächlich so etwas wie Angst. Die allerdings bald wieder verflogen war. Danach kam die Japan-Horror Welle, von der ich einige Vertreter allein nachts in meiner Studentenbude gesehen habe, das war auch heftig und nach Ju-On war ich echt beunruhigt ob der eventuellen Existenz von Geistern (in meiner Wohnung)…

Ich bezweifle, dass solche (genialen) Erfahrungen in Zukunft noch mal drin sind.

Der lustigste Film, den du je gesehen hast?

Schwer zu sagen. Ich lache eigentlich über vieles und gerne. Die diversen "Zucker-Filme" ließen mich natürlich schwer ablachen, auch der South Park Film ist mir dahingehend in Erinnerung. Von den neueren Komödien eindeutig Talladega Nights(Ricky Bobby) und Step Brothers. Und eben der geniale Bridesmaids.

Tja, soviel dazu. Wem werf ich jetzt das Stockerl weiter? Gleich mal natürlich den Weirdo-Kötern von nebenan (wenn sie es nicht ohnehin schon irgendwann mal zwischen ihren versauten Griffeln hatten!). Und gerne auch, wenn er mag, zum besseren Kennenlernen, dem neu hinzugewonnen Leser und Blogautor Leon.

Ich danke für die Aufmerksamkeit und wünsche eine schöne (heiße) Woche.

J'ai tué ma mère (Xavier Dolan) 8,27

2011-08-18T21:07:00.002+02:00

Ein stürmischer, jugendlicher Kunstfilm, der richtig Spaß macht. Die Streitigkeiten zwischen Mutter und Sohn sind geradezu nach komödiantischer Art lustig und dennoch spürt man stets eine ehrliche Wut in den Charakteren, selbst wenn vieles aufgesetzt und grotesk bis pathetisch überspitzt wirkt. Dolan ist als Regisseur/Autor/Hauptdarsteller sicher narzisstisch veranlagt, doch er hat viel Charme, vor allem als stilistisch verspielter, leichtfüßiger Regisseur. Höhepunkt ist die emotionale Dripping->Sex->Wut und Zerstörungsmontage, mit rockender Musik unterlegt. Die schönste musikalisch-emotionale Szene des Kinojahres seit dem Ende von 127 Hours.

Mit dem Wutausbruch der verzweifelten, gekränkten Mutter, die den Mickey Mouse-krawattentragenden Internatsdirektor am Telefon intensiv zurecht weist, beweist der junge Filmemacher gegen Ende überraschend viel Gespür für Ungerechtigkeiten einer scheinbar noch entfernten Erwachsenenwelt. Durch zahlreiche gelungene Momente wie diesen wächst I killed my mother von manchmal auch flachsigem zu außergewöhnlichem Kino.

Viel Spaß macht nicht zuletzt auch das Spiel mit dem finsteren Titel: Tut er es oder tut er es nicht? Sie werden überrascht sein, wie sich Inhalt und Titel schlüssig finden, ohne dass der Film zu düster wird. Im Gegenteil, hier fühlt sich alles originell, ernsthaft und federleicht zugleich an.

Rio (Carlos Saldanha) 3,44

2011-08-17T21:03:00.004+02:00

Ganz schwacher Kinderanimationsfilm, der doch überraschend herben Content beinhaltet wie Gangster und einen extra psychopathischen Bösewicht, und der ein zwar nicht übermäßiges, aber für einen Kinderfilm doch erstaunliches Augenmerk auf sexuelle Schwingungen und Jokes legt. All dies wirkt total deplaziert, weil in einem an sich harmlos dahinblödelnden "Spaß"(?) für die Kleineren völlig unpassend, während Erwachsene bloß dämliche Anspielungen auf viel bessere Filme erkennen und sich in andere Kinosääle mit den originalen Krachern sehnen.

Ansonsten überrascht es fast wenig, wenn man sich an die relative Mäßigkeit der Ice Age Massenschlager erinnert: Rio hat eigentlich gar nix, was einen witzigen, flotten oder originellen Film ausmacht, ist bloß ein außerordentlich flügellahmer Vertreter eines Genres, das sonst immer wieder charmant-turbulente Vertreter hervorbringen kann, die Kinder und Erwachsene gut unterhalten.

Als besonders nervtötend erweisen sich die 2 Komiker-Vögel mit ihrer pseudocoolen (Hiphop-Gangsta) Art, vielleicht ist hier die Synchro schlimmer als das Original, aber viel besser kann jenes auch nicht sein.

Bezaubernd oder zumindest gelungen ist hier nichts bis ganz wenig: okay, die bunten Farben beim Karneval sind ganz nett, doch wie sich alle Figuren ständig blöd aufführen, nervt immer wieder und lässt nie Stimmung aufkommen. Auch sämtliche turbulente oder "lustige" Szenen des Films sind schon während dem Sehen so mäßig, dass man sie tatsächlich gleich wieder "vergessen" kann. Das einzig halbwegs originell-lustige ist der Nerd-Ornithologe, aber auch dieser Figur vermögen die Macher keine echte Tiefe oder Sympathie einzuhauchen.

Dem gänzlich uncharmanten Film fehlen ohnehin echte Highlights, wie sie viele Animationswerke zu bieten haben, darüberhinaus leidet er gehörig unter den völlig verkorksten Figuren und kuriosen Bemühungen, ein erwachsenes, gar sündiges Rio zu porträtieren. Man spürt zwar hin und wieder die (echte) Leidenschaft des Regisseurs für seine Geburtsstadt, doch in der schal-peinlichen Umsetzung passt nichts zusammen.

Am coolsten ist die Mucke im Abspann: da kommt endlich Laune und Partystimmung auf, der Film davor ist aber völlig banana.

Octubre (Daniel y Diego Vega) 7,66

2011-08-05T21:03:00.003+02:00

Sehr trockener Humor ist Markenzeichen von Im Oktober werden Wunder wahr. (Typisch?) südamerikanisch geht es auch oft sehr herb zu: wo der Ton gerade vorher noch sehr heiter-liebevoll war, kann es schonmal vorkommen, dass eine Frau ihre urinbefleckte Unterhose im Wasser des Geliebten auswringt!

Der Hauptdarsteller ist mit seiner stoischen Art in kuriosen Situationen immer wieder für Lacher gut, besonders das Schaukeln des Babys während der Arbeit als Running Gag verleitet automatisch zum Grinsen.

Die beiden Vegas bauen ihren Film (bzw. das Bild einer Pseudo-Familie) generell ruhig, aber zunehmend witzig auf. Als das lakonische Treiben gegen Ende wieder etwas schwächer, weil schein-vorhersehbarer wird, lassen sie den Film einfach völlig offen enden (Erinnerungen an das Finale von Rossellinis "Viaggio in Italia" werden spitzbübisch geweckt, aber nicht eingelöst, was übrigens auch den deutschen Titel wieder einmal noch sinnloser macht als er eh schon ist); nicht nur deshalb sollte man sich an Octubre erinnern, sondern auch weil die Machart nach Kaursimäki (und co)-Vorbild sich mit der Besonderheit eines peruanischen Werkes und mit herbem Humanismus vergnüglich, aber auch hintersinnig verbindet: bei aller Menschlichkeit spielt das Geld stets eine dominante Rolle - und sich gegenseitig zu helfen aber sich auch ein wenig zu bescheißen gehört beides wie selbstverständlich zum Leben des Pfandleihers und der übrigen Protagonisten.

Tehilim (Raphaël Nadjari) 7,48

2011-08-05T00:53:00.004+02:00

Der Film um einen jüdischen Jugendlichen, der mitten in der Pubertät (lang wegbleiben, erste Freundin, Streß mit Eltern, Sinnsuche durch Gebete) steckt, nimmt nach kurzer Zeit eine plötzliche Wendung: der Vater ist verschwunden, er wird nie mehr zurückkehren, nie wird sich aufklären, warum und wieso.

Tehilim, dessen Übersetzung Psalmen bedeutet, folgt nun, sehr simpel, „naturalistisch“ inszeniert, der Familie durch die belastende Situation ohne den Vater zu leben, stets konzentriert auf den etwas störrischen, natürlich stark traumatisierten, verwirrten Jungen.

Man könnte sagen, es passiert hier nicht viel, doch man kann es auch eine intime, unaufgeregte, angenehm unsensationalistische Studie einer kuriosen Katastrophe nennen, die am Ende doch berühren kann - wenn auch in Summe nicht allzu wuchtig.

Män som hatar kvinnor (Niels Arden Oplev) 3,25

2011-08-04T00:14:00.002+02:00

Anmerkung: Dieser schon vor längerer Zeit verfasste, unmittelbar emotionale Text bezieht sich auf die Kinoversion. Eventuell hätte die etwas längere TV-Fassung etwas besser abgeschnitten, der Ärger über das Gesehene musste aber dennoch raus.

Bitter, wie wenig in der Filmversion von Stieg Larssons faszinierend detailreichem Blomkvist/Salander-Krimi Männer, die Frauen hassen übrig geblieben ist. Und wieviel an Details hier sinnfrei verändert wurden, obwohl die Änderungen ja gar nichts an Qualität hinzufügen, sondern Kenner der Vorlage nur noch mehr verärgern.

Es ist die alte und immer wieder gleiche Leier: Ein derart umfangreiches Buch kann man fürs Kino kaum adäquat umsetzen. Doch andererseits wirkt dieser Film so, als hätte man sich nicht mal ansatzweise Mühe gegeben, um den Charme der vielschichtigen Geschichte oder die von Larsson so liebevoll gezeichneten, pardon, geilen Figuren sowie die gewitzen Sprüche bzw. Dialoge wenigstens so gut wie möglich umzusetzen. Mikael Blomkvist etwa ist in der Verfilmung so unfassbar nicht mit Persönlichkeitseigenschaften versehen, dass man sich mehr als an den Kopf greifen muß vor lauter Ungläubigkeit. Blomkvist wirkt wie eine emotionslose Hülle und nicht wie der Mensch, als den ihn Larsson beschrieben hat. Schwierig, einen Film gut zu finden, in dem der sympathische „Held“ nichtmal den Hauch eines Profils hat.

Kurioserweise funktioniert dieses unfassbare Wegstreichen von Buch-Qualitäten bei Lisbeth Salander besser. Einderseits weil Darstellerin Noomi Rapace von selbst enorm faszinierend und vielschichtig wirkt, andererseits weil Salander als wenig gezeichnete, rätselhafte Person einfach auch ganz gut durchgeht. Doch vieles geht auch bei ihr nicht, etwa, dass sie einfach so recherchiert und dann auch noch eigeninitiativ Blomkvist kontaktiert, das ist sowas von nicht diese Lisbeth aus dem Buch, dass es einfach nur enttäuschend ist. Es gäbe noch mehr dieser Details zu kritisieren, aber alleine der Gedanke an die Adaptionsverbrechen bereitet schon wieder Kopschmerzen.

Auf der Handlungsebene ist es ebenfalls schlimm. Kenner und Freunde dieses Buches, die darauf hoffen, dass sie eine liebevolle Adaption ansehen können, müssen sich ständig über Änderungen, Streichungen (okay, bei Verfilmungen solcher Schwarten ja immer zu erwarten), aber vor allem regelrechten Rodungen von Qualitäten des Buches ärgern. So gehen im Film trotz einer stattlichen Lauflänge von knapp 140 Minuten die Ermittlungen u.a. so schnell, das meiste wirkt so „problemlos“, dass Nichtkenner der Vorlage einem eigentlich extrem unspektakulären 08/15 Krimi begegnen, der nicht den Hauch von den Schwierigkeiten, Dissonanzen und anderen genialen Eigenheiten widerspiegelt, welche die Geschichte von Larsson so besonders gestalteten. Der Regisseur versagt auf ganzer Linie, das vom Autor erdachte Universum zumindest im Geiste der Vorlage zu interpetieren und macht ein unglaublich hohles Aneinanderreihen von Ereignissen ohne Gefühl für das Wesentliche daraus.

Bei einer derart tollen Vorlage und einer Verfilmung abseits Hollywoods mit Überlänge durfte man sich einen vielleicht nicht in allen Belangen zufriedenstellenden, aber doch erfreulichen und aufregenden Film mit kultverdächtigen Typen, Sprüchen und Szenen erwarten. Doch es bleibt nur völlige Desillusionierung und die Erkenntnis, dass Herr Stieg Larsson ein Genie war, der werte Herr Oplev ihm da jedoch nichtmal im entferntesten das Wasser reichen kann. Ein paar für sich gelungene Szenen sind bei der Lauflänge und der Mega-Bestseller-Vorlage keine besonders lobenswerte Leistung, retten den Film aber immerhin vor einer (auch nie und nimmer erwartbaren) Totalkatastrophe.

Eines ist damit überraschend, aber klar: das demnächst anstehende Hollywood-Remake von David Fincher kann kaum schlechter geraten als dieser „originale“ Versuch.

Hævnen (Susanne Bier) 8,34

2011-08-03T01:25:00.005+02:00

Komplex aufgebaute Geschichte um Verlust, Seelenschmerz, Vorwürfe und vor allem Gewalt. Der Film kreist ständig um die Frage, wie man mit Provokationen umgeht und wie man sich mitten in einer Gewaltspirale verhalten soll oder kann. Hauptfigur im verstrickten Personenkarusell ist so gesehen der Arzt Anton, der seinen Jungen stets vorleben will, dass Gewalt keine Lösung ist, selbst jedoch mehrmals in dieser Hinsicht hart auf die Probe gestellt wird.

Ein weiteres Zentrum des Films ist auch das "Schlachtfeld" Schule. Die Freundschaft des gemobbten Elias und des innerlich stark gebeutelten, nach außen toughen (psychopathischen? gewaltbereiten?) Christian hat stets beunruhigende Züge, obwohl sie doch den beiden gleichzeitig Halt gibt in einer schwierigen Zeit in einer herben, Schicksalsschläge austeilenden Welt.

Der Film, von Bier manchmal ein bisschen zu pseudobildgewaltig inszeniert, und von Dänen-Drehbuch-Zampano Anders Thomas Jensen gemeinsam mit Bier geschrieben, ist hervorragend gespielt und sehr geschickt aufgebaut. Grundsätzlich verhandelt er ähnliche Themen wie vor kurzem der ebenfalls mitreißende Ajami, doch das kühle Dänen-Umfeld unterscheidet sich deutlich vom hitzigen Tel Aviv, die Intensität wird mit etwas anderen Mitteln erreicht – manchmal spürt man das dogma-artige, typisch dänische Kino sehr deutlich.

Positiv an dem natürlich stark konstruierten Werk ist auch, dass nicht alle Stränge krampfhaft zusammengeführt werden müssen, sondern auch mal Dinge nebeneinander stehen können, wodurch In einer besseren Welt enorm spannend und kaum vorhersehbar geraten ist. Die moralischen Dilemmata, die der Film thematisiert, kennt man zum Teil schon (spätestens aus jeder Ärzteserie seit Emergency Room), zum Teil vermögen sie die Auseinandersetzung mit dem eigenen Gewissen enorm zu fordern (wie verhalte ich mich – ob als Schüler oder als Eltern – bei gewalttätigem Mobbing in der Schule?)

Das positive Ende kommt vielleicht etwas überraschend, ist aber durchaus schön. Eine Art Happy End in einem düsteren Film, dessen Originaltitel schlicht Rache bedeutet und den man eher dramatisch enden vermutete, hat ja auch mal was.

tranzania. living. room. (Uli M Schueppel) 7,32

2011-07-28T10:57:00.003+02:00

Warme Klänge zu gefilterten Bildern der Savanne läuten diesen Film ein und durchsetzen ihn immer wieder. Hauptsächlich sehen wir Menschen in Tansania, die ihrem Alltag nachgehen, auf der Straße, in der Kirche, beim Tanzen, seltener bei der Arbeit. Schueppel lässt, konträr zu einem Kind, das über Tansania redet, die Menschen ihre Vorstellungen über europäische bzw. deutsche Wohnzimmer erzählen, doch filmt sie nicht beim Reden, sondern legt die Tonspur über Bilder, die die Menschen nicht redend zeigen (dieses Stilmittel gibt es übrigens auch bei "Territoire perdu" 2 Einträge weiter unten)

Auf Dauer erschöpft sich das im Grunde sehr nette Konzept dieses Essays etwas, dennoch ist der träumerische Film vor allem ein schöner Einblick in das Leben von Menschen aus einem Land, welche(s) man sonst (so gut wie) nie im Fernsehen sieht.

Waffenstillstand (Lancelot von Naso) 5,35

2011-07-26T11:03:00.002+02:00

Im Irak des Jahres 2004 schließen sich ein Ärztin/Arzt- und ein Kameramann/Reporterduo zu einem Team zusammen, das eine Medikamentenlieferung in ein Krankenhaus im zerbombten Falludja bringen (bzw. darüber berichten) will. Ein Waffenstillstand für einen Tag (plus Nacht) ist zwar vereinbart, dennoch ist der Trip eine sehr riskante Reise ins Ungewisse.

Der Film wurde an manchen Stellen dafür gelobt, dass er für eine deutsche Produktion sehr nach Hollywood aussehe. Dies ist jedoch eher als Nachteil zu betrachten, die ziemlich gelackten Bilder und die typisch anschwellende Musik nach Schema F zu diversen Situationen sind das Schwächste am Film. Die Darsteller bzw. Charaktere sind dagegen auf eigene deutsche Art schon wieder zu wenig glatt oder einfach anders als es in einer US-Produktion wäre. Wirklich gut ist aber auch die Charakterzeichnung nicht.

Dass die Gruppe einen einheimischen Fahrer hat, sollte die gefährliche Reise an und für sich entspannter machen, doch der Film ist manchmal sehr eigenartig in seiner Charakterisierung des einheimischen Volks, das wirkt dann eher klischeehaft denn realitätsnah (dabei ist der Film aber, vor allem am Ende, deutlich humanistisch inspiriert).

Als dümmstes Beispiel sei die Szene angeführt, als hinter dem Kleinbus des Teams auf einer kaum befahrenen, aber natürlich nicht umsonst existierenden Straße, ein anderes Auto auftaucht, und sofort der Schluß gezogen wird, dass man „verfolgt“ werde. Ziemlich miese Szene. Auch Geldeinforderungs-Reaktionen der Einheimischen nachdem sie gefilmt wurden, scheinen grotesk überzogen und auch ganz am Ende gibt es noch mal so eine absurd schlechte Szene mit bedrohlich-bewaffneten „Terroristen“.

Trotz dieser auffälligen Einzelpunkte ist der Film im gesamten nie dümmlich, sondern relativ spannend (ein Roadmovie durch ein fremdes Land im Kriegszustand ist das ja fast schon per se) und die Mission ist, so wie gezeigt zwar ziemlich blöd, aber doch ehrenhaft. Gegen Ende fallen aber die Vorhersehbarkeiten bzw. die Aspekte eines Films, der in einem fremden Land spielt, aber eben von Menschen „von hier“ gemacht wurde, doch stärker ins Gewicht und insgesamt ist das alles nicht überzeugend, alles etwas zu kalkuliert, ungewagt und das Meiste wirkt zu realitätsfremd. Wobei wir wieder beim Hollywood-Vorbild wären, doch in solchen Produktionen ist dann meistens wenigstens ordentlich Drive drin. Waffenstillstand hat diesen nicht, doch Entspanntheit und Kultursensibilität „richtig guter ‚Arthaus‘-Filme“ fehlen auch weitgehend. So ist es dann rückblickend doch nicht mehr als ein halbnettes, letztlich wenig erbauliches TV-Filmchen aus Deutschland geworden.

Territoire perdu (Pierre-Yves Vandeweerd) 7,62

2011-07-22T19:24:00.009+02:00

Eine Doku über das Politikum Westsahara in sehr ungewöhnlicher Form: schwarz weiß, kunstwillig, sperrig, experimentell. So sprechen viele Personen, doch gefilmt werden sie schweigend, die Tonspur ergänzt dazu das Bild.

Das Positive an diesem Projekt ist vor allem, dass den unterdrückten, verfolgten Nomaden bzw. Wüstenbewohnern eine Stimme, ein Gesicht (bzw. mehrere) gegeben wird. Das ist vermutlich nicht viel, aber immerhin etwas.

Der angesprochene Kunstwillen mag so gesehen nicht so recht zum politischen Sujet passen, doch dadurch wird der Film speziell. Verwendet der Regisseur seine Mitwirkenden dafür, sich stilistisch selbst zu verwirklichen? Zwischenzeitlich kann man das schon glauben, zwischenzeitlich gibt es auch langatmige Stellen. Doch die Eigenart des Wüstenvolks wird nie verletzt, tiefer Respekt und Einsatz sind immer spürbar. Ob der Film stilistisch die angesprochene Eigenart der Menschen (angemessen) widerspiegelt, kann man als Zuseher nicht wissen.

Gegen Ende wird Verlorenes Territorium richtig gespenstisch, vor allem auf der Tonspur; hier kann man den Regisseur und seine Ausdrucksform vielleicht auch am ehesten verstehen: Artifizierung eines rational schwer fassbaren, furchtbaren, eben gespenstischen Zustands.

Mit einem Interview einer verzweifelten Frau aus dem Widerstand, die eindrücklich bis erschütternd ihre Erfahrungen mit der marrokanischen Polizei beklagt, bekommt der Film zum Ende hin immer mehr Kraft, um schließlich irre mit einer Kamel-Laut-Symphonie zu enden. Es ist definitiv ein Werk, das Eindruck hinterlässt und am Ende ist der ungewöhnliche Stil nicht unangebracht, sondern scheint höchst passend zur perversen Situation.

Nénette (Nicolas Philibert) 6,65

2011-07-20T09:51:00.002+02:00

Schon wieder ist ein Affe der Hauptdarsteller. Extreme Nahaufnahmen eines runzlig-zerfurchten Gesichts sehen wir zu Beginn dieses ungewöhnlichen Dokumentarfilms über eine ca. 40-jährige Orang-Utan Dame. Nénette ist also eine Tierdoku, doch eine ausgesprochen künstlerisch-französische und eine besonders kino-taugliche: nämlich eine philosophische Reflexion über das Betrachten an sich und über das Spekulieren, was in (eingesperrten) Tieren so vor sich geht. Während wir die Affen - neben Nénette auch ihren Sohn - sehen (was alleine schon faszinierend, manchmal auch belanglos ist), hören wir Zoobesucher, Pfleger und unidentifizierbare Philosophierer über das Gesehene (und nicht sicht- bzw. nicht nachweisbare) reden…

Der kurze Film zieht sich schon etwas und bringt keine Mördererkenntnisse, doch Philibert involviert den Zuschauer geschickt in seine Reflexion.

(Lesenswerte weiterführende Gedanken zu seiner Arbeit wurden im Falter und der Stadtkinozeitung geschrieben, leider scheinen diese Artikel online jedoch nicht verfügbar zu sein.)

King Kongs Tränen (Peter Kern) 8,06

2011-07-19T12:27:00.003+02:00

Ein betont schräger, manchmal pseudo-dilletantischer Film, der tief die Freiheit der Kunst atmet. Kern agiert auch vor der Kamera als trauriger Clown, gegen Ende eingestreute Horrorelemente (bis zum absurden Finale) steigern den Spaß an diesem Kuriosum. Die Gratwanderung aus eher trashigen Stilmitteln und solchen der gehobenen Kunst wie Operngesang, feinen Kamerafahrten und sehr guter Filmmusik vermengen sich zu einem köstlich grotesken Ganzen.

Weniger die Elemente, die Kern scheinbar antreiben, der Ausländer- bzw. Schwarzen-Hass der Österreicher, der Kirchen-Sadismus und die Österreicher-keller (naja..) sind es, die diesen Film auszeichnen, als vielmehr zu spüren, dass durch diese Triebfedern so irre Kunst entstehen kann. In den ersten Minuten ist ja noch eher zu befürchten, dass hier provinzielles Theater mit einem zu selbstgefälligen Selbstdarsteller geboten wird, doch beides erweist sich als inkorrekt. Bzw. Kern, der Affenkönig der Filmschaffenden, ist immerhin nicht unsympathisch.

Bereits ganz zu Beginn ist es ja schon extrem köstlich, als eine Mail eines entrüsteten Kinobesuchers (inklusive Kotz-Hinweis!) über einen früheren Kern-Film eingespielt wird: dieser Witz, dieses Lustigmachen über Kritik, über Kunstfeindlichkeit, über Unverständnis, das vielleicht manchmal sogar nachvollziehbar ist. Die Seele dieses Films zaubert ein Lächeln in Gesicht und Herz, und wenn man tatsächlich als einziger im Kino sitzt, mag man das vielleicht gleich noch ein wenig mehr.

Man könnte einige Szenen extra anführen, etwa jene frostige, als eine Frau (unerwartet) bösartig rassistisch über einen Ausländer im Tierkäfig spricht. Kern könnte ohnehin garantiert „gut“ und „anspruchsvoll“ inszenieren, stattdessen spielt er lieber mit seinen Titten Adolf und Pauline. Das ist manchmal an der Grenze zur Peinlichkeit, aber der Gesamteindruck ist eben, ein besonderes Werk zu sehen. Sehr cool ist übrigens auch noch die (treibende/Horror-) Musik im Abspann, die auch danach zum Schwarzbild noch weitergeht und den Zuseher nicht kotzend, sondern beschwingt und erfreut entlässt.

Interludium - Besson, Boukhrief, A.Kaurismäki

2011-07-12T19:47:00.005+02:00

Le grand bleu (1988) 5,51

Eigentlich ist dieser Film bei aller Ambitioniertheit eine völlige Katastrophe: die Penetranz der pausenlos dudelnden, oft total unpassenden, spätestens nach einer halben Stunde schon nervtötenden Synthie(?)-Saxofon Musik und die exaltierte Klamauk-Komik, die das „Drama“ rund eine Stunde dominiert (und damit an Bessons witzigen Taxi erinnert – zu dem dieser Stil ja auch gut passte) sind vor allem dafür verantwortlich.

Man weiß nicht, was Besson antrieb, seine eigentlich düstere Geschichte so blöd und oft so naiv zu gestalten; was anfangs noch ganz witzig ist, wird bald zur Qual. Doch man kann auch nicht sagen: erste Hälfte pfui, zweite hui, denn auch da gibt es immer wieder total verhunzte Momente, alleine für diese Szene mit den Japanern gehört Bessons Film eigentlich ohne Sauerstoff am Meeresgrund versenkt. Allerdings, das muß man sagen, geht eine gewisse Faszination von der Besessenheit des Filmemachers von diesem Thema auf den Zuschauer über – egal wie unglaublich mies man das meiste finden mag, und wie selbst die besten Szenen und Aspekte von "Im Rausch der Tiefe" im Detail noch eher verhaut sind, vermag es Besson am Ende zu berühren. Und darüber hinaus ist das sowieso ein Film, der so unglaublich ist, dass man ihn fast einmal durchstanden haben muß.

Le Convoyeur (2004) 7,88

Der Vorspann kündigt Explosivität an, doch danach läuft der Film (im deutschen mit Cash Truck betitelt!!) sehr langsam und ruhig an (und erinnert dabei ein wenig an den später entstandenen Shekarchi). Der stoische Einzelgänger geht geheimnisvoll seiner Arbeit in der Geldtransporterfirma nach und als Zuseher ist man unsicher, ob er ein Undercoverpolizist ist oder selbst ein krummes Ding plant. Daraus zieht der Film einen großen Reiz und es wird auch nie aufgeklärt! Die Inszenierung ist zwischendurch schon sehr träge, Boukhrief zeigt uns ein eigenes Universum mit Menschen, die völlig desillusioniert und ziemlich fertig dahinleben (ein grimmig-grusliger Höhepunkt des Films ist die Partyszene mit überraschendem Selbstmord). Auch ein bitterer Humor schwingt in dem mit seinen Außenseiterfiguren sympathisierenden Film sehr oft mit.

Gegen Ende kommt es fast unerwartet zu einer sehr harten und brutalen Gewaltexplosion, den Film durchzieht eine fast schon nihilistische Stimmung, die immer dichter wird und einen tiefen Eindruck hinterlässt. Ein ziemlich heftiger „Reißer“, weitgehend im entspannten Stil (französischer) 70er Jahre Genre-Filme.

Tulitikkutehtaan tyttö/Das Mädchen aus der Streichholzfabrik (1989) 8,14

Ein typischer Kaurismäki: sehr melancholisch, sehr romantisch (viel Platz wird Liedern gegeben, was am Ende gar an japanische Klassiker erinnert), sehr kauzige/schrullige Figuren, usw...

Aber vielleicht ist es auch sein traurigster, pessimistischster Film; dem Mädchen ist kaum Schönes gegönnt und am Ende rächt sie sich bei allen. Da kann man kaum noch schmunzeln, eindrucksvoll ist es, auch rückblickend auf eine Zeit, in der diese Art von lakonischem Proletarierkino noch recht frisch war, dennoch.

Loft (Erik van Looy) 6,88

2011-07-11T17:44:00.004+02:00

Der Thriller um einen Mord in einer gemeinsamen geheimen Männer-Fremdgeh-Wohnung ist anfangs eher schwer zu ertragen. Nervige Typen und platte Dialoge (synchronisiert gesehen) machen einen gewöhnlichen Whodunit-Krimi (teilweise an The Usual Suspects erinnernd) jedenfalls nicht interessanter. Die fast kindlich sexwütigen, einfach gestrickten Männer stehen eindeutig im Vordergrund, während (ihre) Frauen fast nur am Rande vorzukommen scheinen und dann nur als passive Sexobjekte betrachtet oder verarscht werden – Tiefgang ist was anderes, man wird zunächst eher über die Plattheit zu lachen angeregt denn zum Mitfiebern. Interessant ist, dass alle Beziehungen hier eigentlich völlig am Ende sind und die Lust auf sexuelle Abenteuer das Interesse an einem funktionierenden Miteinander überflüssig macht. So gesehen haben wir es generell mit einem leicht blöden, oft geradezu lachhaften Film zu tun. Okay, er hat durchaus auch satirische Grundzüge, doch die bleiben sehr dezent und oberflächlich.

Dass alles aber dann doch noch besser wird, liegt vor allem daran, dass der Fall im letzten Drittel immer vertrackter wird und zumindest eine bis zwei Figuren doch an Profil gewinnen. Überraschend komplex ist die Situation am Ende geworden und auf spannend getrimmt und inszeniert wurde der Thriller, wenn schon nicht außergewöhnlich, dann zumindest ziemlich kompetent. Die Auflösung ist schon ziemlich übertrieben, aber es macht überraschend Spaß, sich mit ihr und den Folgen zu beschäftigen. Tödliche Affären ist schlußendlich also doch noch ein ganz netter Thriller geworden, passend für einen (trotz ganz wenigen düsteren Augenblicken) locker-trashig-heiteren Fernsehabend.

David wants to fly (David Sieveking) 7,34

2011-07-08T11:15:00.003+02:00

Stets unterhaltsam ist diese 1st Person-(Quarterlife-Sinnsuche-)Entertainment-Doku über transzendentale Meditation, vor allem die Szenen mit Vorbild und Vornamensvetter des Regisseurs, David Lynch, sind köstlich; auch wenn Sieveking (dieses naive Grinsen!) und seine Freundin manchmal mühsam zu ertragen sind, und der Film in Hälfte 2 in etwas ernstere, jedoch kaum neue Erkenntnisse bringende Sektenkritik mündet – der (leicht bemüht wirkend) schräge Film über ein schräg auswüchsiges Esothema liefert einige sehenswerte Aufnahmen (indisches Begräbnis, Innenansichten einer fragwürdigen Gemeinsachft) und macht schon Spaß – vor allem natürlich David Lynchs unaufhörlich flatternde Finger.

The Tree of Life (Terrence Malick) 7,44

2011-07-06T21:29:00.005+02:00

Ein in vielerlei Hinsicht gigantischer Film (auch was den Rummel um ihn herum angeht), doch insgesamt fällt das Resümee leider nicht begeistert aus, auch wenn Malick erfreulicherweise wieder deutlich besser ist als zuletzt mit The New World. Dass The Tree of Life aber wiederum nicht an die exorbitante Klasse der genial philosophierenden Kriegsmeditation The thin red line heranreicht (in dem Malick die Verbindung aus dem superben Gefühl für 'Natur filmen' und existenziell-tiefgründiger Unterlage bis jetzt am besten hinbekommen hat), liegt weniger an den fantastisch dahinfließenden Bildern, sondern am inhaltlichen – der mystisch-sakralen Grundstimmung des Films geht irgendwann die Luft aus, spätestens bei einem mehr als nur grenzkitschigen Ende.

Dennoch ist der Film die meiste Zeit ein Kinoerlebnis, lädt zum Staunen und wohlfühligen Grinsen ein: Opernhaft-schwelgerisch holt Malick im ersten Teil sogar evolutionär aus, um den Zuschauer auf eine grandios bebilderte, an experimentelle Filmkunst erinnernde Reise mitzunehmen, die allerdings außer großen Schau- und Hörwerten nicht besonders viel Tiefgang aufweist. Der zweite Teil verbindet diese wichtigen Elemente eines guten Films besser, und zwar mit einem unglaublich eleganten Bilder- und Bewegungsfluß (Malick kommt fast zweieinhalb Stunden quasi ohne Dialoge aus). Am schönsten ist an diesem Film vermutlich die Entwicklung des Kindes: fast körperlich spürbar macht die Kamera das unbeschwerte Herumtollen, große Momente für Kinder und Eltern auf der Leinwand transportieren Emotionen direkt in die Seele des Publikums, das ist schon beeindruckend und fast hypnotisierend, wenn auch diese „Reise“ niemals wirklich grundlegend originär ist. Außerdem stellt sich dann doch irgendwann Übersättigung ein und es beginnt das Nachdenken, was dieser (streckenweise, zumindest im Vorfeld überhypte) Film abseits seiner „sensorischen“(?) Extraklasse eigentlich (erzählen) will…

Und dann ist da eben noch dieses Ende. Tja. Wobei die letzten beiden Einstellungen ziemlich cool, weil ambivalent sind. Man könnte eigentlich, doch wirklich lange will man sich kaum Gedanken dazu machen. Dazu war der naiv-kitschige Anteil davor zu aufdringlich.

Rückblickend erfreut an diesem Werk vor allem die streckenweise großkotzig-schöne Seelenverwandtschaft zu Kubrick (bzw. seiner Space Odyssey), und die Parallelen zu Reygadas' ähnlich naturmystischem Stilles Licht fallen auf. Vielleicht kann man The Tree of Life am ehesten als sehenswertes Kinoerlebnis (in einem gänzlich anderen Sinne von überwältigender Optik als z.B. Michael Bays "Transformers" Filme) ohne wirklich profunde Bedeutung beschreiben. Gut möglich andererseits, dass es viele Leute gibt, denen dieser Film viel bedeutet, die in ihm etwas mystisch-spirituelles erleben. Doch die biblische Geschichte und Ausrichtung, dieses Streben nach ganz oben, ins ganz Große macht den Baum des Lebens im Vergleich mit auf bodenständigere Weise mitreißenderen Kinogeschichten vielleicht doch etwas kleiner als Rummel und Auszeichnungen uns weismachen wollen.

Die Stille der Unschuld (Claudia Schmid) 8,11

2011-07-04T15:58:00.003+02:00

Ein ruhiges, sich Zeit nehmendes, genau beobachtendes, stilistisch reduziertes, tolles Porträt des Künstlers Gottfried Helnwein bei der Arbeit. Schön wird der Kontrast zwischen einem sympathischen Familienmenschen und seinen teilweise verstörenden Bildern, die eine brutale, eine schreckliche Welt reflektieren, im Laufe des Films ersichtlich. Sicher ist diese Arbeit fast schon Special Interest-Programm für Kunst-Interessierte, und das obwohl tatsächlich Arnie mitspielt. Als Helnwein den alten Bekannten und Fan seiner Landschaftsbilder im Büro besucht und die beiden plaudern, wird es auch mal witzig bzw. leicht skurril.

Wenn Helnwein über die Bedeutung der Kunst im Allgemeinen, ihre Freiheit, u.ä. spricht, dann ist das nichts besonders Neues oder Aufregendes, aber es ist doch immer wieder schön, zu sehen, dass es Außenseiter-Künstler gibt, die ihr Ding durchziehen und so die Welt reflektieren, dem Publikum neue Perspektiven, eine andere Sichtweise eröffnen. Etwas, das Helnwein durch seine ausdrucksstarken Bilder (früher auch Aktionen) wesentlich besser gelingt als durch manche Aussagen gegen Ende des Films (z.B. wirkt es etwas daneben, Gefängnisse und Konzentrationslager in Zusammenhang zu bringen). Doch dies soll ja keine Bewertung von Helnweins Ansichten sein, zumal es die meiste Zeit in diesem feinen kleinen Film sogar sehr spannend ist, ihm zuzuhören bzw. bei der Arbeit zuzusehen.

Pour Elle (Fred Cavayé) 5,27

2011-07-03T18:17:00.003+02:00

Anstatt sich auf ein oberflächliches Thrillerchen mit dem Thema biederer Lehrer goes tough, weil er versucht seine Frau aus dem Knast zu holen zu beschränken, hätte mich an der speziellen Ausgangslage des Films ein Justizdrama mehr interessiert. Worum geht es hier? Eine unbescholtene Frau kommt eines Abends in eine Tiefgarage, eine andere Frau streift sie im Vorbeigehen (Blut am Mantel). Sie findet einen Feuerlöscher neben dem Auto liegen, den sie wieder hinstellt, und fährt dann weg. Zurück bleibt eine Leiche neben dem Auto, den Mord hatte die unbekannte Mantelstreiferin mit dem Feuerlöscher begangen: die Spuren führen nun aber nur zu unserer Unschuldigen.

Wie es sein kann, dass man wegen so etwas zu einer jahrelangen Haftstrafe verurteilt wird, bzw. wie die Betroffenen vor Gericht dagegen ankämpfen, wäre vielleicht auch etwas blöd, aber spannend gewesen. Oder wenn man sich mehr darauf konzentriert hätte, wie die unschuldig verurteilte Frau im Knast unter ihrem Schicksal leidet und womöglich daran zerbricht. Diese dramatische Geschichte jedoch nur aus der Perspektive des Ehemanns darzustellen, ist zwar ein Ansatz, der nicht kritisierbar ist und in der Theorie auch gar nicht schlecht. Doch der Film ist kein Psychogramm, er bleibt viel zu sehr an der Oberfläche und bietet da nur Prison Break-light Spannung, was garantiert niemanden vom Hocker reißen kann.

Ganz nette Unterhaltung hätte man mit Bauchweh noch sagen können, wenn dieser Stoff nicht noch viel mehr hergegeben hätte. Ein Vergleich mit dem thematisch nicht unähnlichen Klopka kommt in den Sinn, der schon auch nicht grandios, aber doch deutlich gelungener und intensiver als Ohne Schuld war.

Schwer zu sagen ist, ob das US-Remake von Paul Haggis (The next three days) interessanter ausfiel, doch zumindest ist anzunehmen, dass jener, sollte er auch keinen komplett anderen Weg als Cavayé gegangen sein, wenigstens der Figur des Ehemanns viel mehr Tiefe gegeben hat, als es im mauen französischen Original geschah.

Source Code (Duncan Jones) 7,19

2011-07-02T17:53:00.002+02:00

Sehr unterhaltsamer Sci-Fi Thriller mit einem coolen Setting (der fahrende Zug mit Bombe, immer wieder diese 8 Minuten Zeit, aber keinen Plan), aber ohne die Erklärung des Codes genau mitbekommen zu haben, scheint dieses ganze Konstrukt (in eine Erinnerung einzutauchen, aber diese Erinnerung in einem Paralleluniversum subjektiv nach Lust und Laune zu verändern, auszudehnen und gar zu sprengen) doch ziemlich blöd und nicht mal ansatzweise plausibel. Ohne eine „Ist das unrealistisch“-Haltung einzunehmen, trübt es den unterhaltsamen, kurzweiligen und wie Moon wiederum humanistischen und leicht philosophischen Film im Nachhinein etwas und führt zum retrospektiven Punktebazug: ansonsten aber schöne, tight inszenierte, gewitzte Unterhaltung mit einer eben nicht ganz schlüssigen, aber dennoch erfrischenden Murmeltiertag meets Terroristenthriller-Idee.

Schwarzkopf (Arman T. Riahi) 5,30

2011-07-01T17:30:00.004+02:00

Eher oberflächliche Rapdoku, die es versäumt, die Migrations- (und mögliche „Integrations-“) thematik auszunützen für eine clevere Reflexion. Stattdessen werden bloß junge Männer gezeigt, die ihr Straßen- (besser gesagt Wett- und Zocker- und Abhäng-) Leben romantisieren und ihre stets gezeigte „Coolness“ nie ablegen.

Dem Hauptdarsteller bzw. Hauptporträtierten Nazar fehlt schlicht Charisma (eine schwache/bemühte Bushidokopie?) - wenn der deutsche Rap-Produzent beim ersten Hören seiner Raps sagt: "das schockt mich einfach nicht (mehr)", dann beschreibt das auch diesen leider oberflächlichen Film ganz gut. Er gibt zwar kleinere Einblicke in ein Lebensgefühl, doch ist das (bis auf kleine Ausnahmen, etwa einer Schilderung eines unfassbaren, rassistischen Polizistensagers) kaum aufregend oder spannend, weder in unterhaltsamer noch in tiefergehender Hinsicht. Von diesem Film und seinen Figuren hätte man sich etwas mehr erhoffen können, so fehlt Tiefenprofil – ob Riahi es verabsäumt hat, diesem nachzuspüren oder ob es den Porträtierten schlicht daran mangelt?

Inter - 'no time for posting-break' beeendendes - Ludium (Kerrigan, Scorsese, Kalatozov)

2011-06-30T19:36:00.005+02:00

Clean, Shaven (1993) 8,44

Ungewöhnliches Thrillerdrama um einen von Wahnvorstellungen geplagten Vater, der seine Tochter sucht. Zugleich sucht auch ein Polizist nach einem Mädchenmörder…

Kerrigan lässt seine Figuren und auch den Zuseher rätseln, was hier wirklich vorgeht. Der stellenweise sehr intensive, stets subtil verstörende Film ist in vielerlei Hinsicht ein typisch amerikanisches Indie-Werk der 90er: richtig schäbig sieht es aus und die raue Herangehensweise verhindert von vornherein einen „Publikumshit“, auch wenn der Film sehr eindrucksvoll ist. Dass Glatt rasiert im deutschsprachigen Raum bis jetzt nie veröffentlicht wurde, ist dennoch kaum zu erklären. Anzumerken ist, dass Kerrigans späterer Film Keane sehr ähnlich ist, weniger roh, aber fast noch ein bisschen besser, etwas elaborierter.

After Hours (1985) 9,05

Scorseses lustigster Film (seine einzig echte Komödie?) ist auch beim zweiten Ansehen genauso großartig wie er in Erinnerung war. Die eigentlich eher simple Idee einer komischen Alptraumnacht bzw. einer schrägen, schwarzhumorigen Großstadtodyssee (inklusive einem kurzen Scorsese-typischen Gewaltausbruch) wurde köstlich umgesetzt – auch wenn man oft eine gewisse Sterilität der Außenaufnahmen erkennen kann. Doch die elegante Abfolge witziger Figuren und Szenen inklusive dem genialen Ende lässt keine Wünsche offen – "Die Zeit nach Mitternacht" ist ein vielleicht gar nicht so bekannter und wenig beachteter Film zum Liebhaben.

Letjat zhuravli/ (Wenn) Die Kraniche ziehen (1957) 8,43

Antikriegs-Romanzenepos mit enormer Dynamik und viel Leidenschaft bzw. Tragik: ein meist mitreißender, oft genial inszenierter und mit Herzblut gespielter Schwarz-Weiß Klassiker, der in der Retrospektive wie die meisterliche Blaupause für peinlichen Kitsch a la Pearl Harbor und weitere, vielleicht nicht ganz so schlimme, aber eben auch seelenlose, glattgebügelte Rezept-Blockbuster-Quatsch-Produktionen (mit Kriegshintergrund) der moderneren Farbfilmära wirkt.

Pirates of the Carribean: On Stranger Tides (Rob Marshall) 6,11

2011-06-22T12:05:00.003+02:00

Nach dem enttäuschend (überbe)lang(los)en dritten Teil und schlechten Vorabkritiken für den vierten musste schon eine Einladung her, um sich noch einmal (zu völlig überzogenen 3D-/Überlängepreisen) dem Piratenjux im Kino hinzugeben, mit niedrigsten Erwartungen freilich (auch wegen Musical-Heini Marshall als Regisseur).

Die positive Überraschung liefert jener aber gleich zu Beginn mit einer (abgesehen von der misslungen-blöden Jack als Richter-Einführung) sehr ansprechend inszenierten Auftaktsequenz. Vor allem das Ausnützen der Dreidimensionalität und die Bildanordnungen gefallen, dieser Marshall könnte doch eine gute Wahl sein.

Danach folgt wieder Ernüchterung: das übliche Piratengerassel und –geplapper ruft nur noch Gähnen hervor. Ein grundsätzliches Problem solcher vielteiligen Reihen: man kennt die Abläufe, man kennt die Bilder, man hat sich sattgesehen. Und selbst wenn Marshall ganz nett inszeniert, ist er z.B. kein Spielberg, dem bei Indiana Jones 4 trotz derselben Probleme doch deutlich eindrucksvollere (Action-)szenen gelangen, weil er einfach ein absoluter Könner ist (natürlich war Indy 4 trotzdem nicht allzu toll).

Back to „Jack“: Als dann zum ersten Mal Käptn Blackbeard auftritt, verdrängt das Grinsen die Langeweile: McShane hat Präsenz und sein schwarzbärtiges Gesicht samt grimmig-witziger Einzeiler schaffen sofort gute Laune; in solchen Momenten ist es dann auch völlig egal, ob das nun schon der vierte Teil ist oder nicht. Es wird noch besser mit einer atmosphärischen Meerjungfrauen-Sequenz (von der blöden Vampirzähnesekunde mal abgesehen): die Macher dieses Films könnten sich Piranha von Aja angeschaut haben; auch wenn es hier nur eine jugendtaugliche Light Variante davon ist, macht auch das wieder Spaß, die dreidimensionalen Bilder wirken rasant ein. Während sich die gelungenen Einzeiler (wie „I support the Missionary’s Position!“) doch sehr in Grenzen halten, gefällt interessanterweise der (oberflächliche) Love-Part – Regie und Darsteller kreieren gute Stimmung und unmittelbare, mainstreamgerecht leicht genießbare, aber intuitiv gefällige Kinomomente.

Der Film biegt nach diesen sehr ordentlichen Minuten auf eine geradlinige Storylinebahn ein, die mehr an Indiana Jones erinnert als an die vorangegangene Verbinski-Trilogie. Jedenfalls ist die harmlose, aber flott inszenierte Geschichte doch angenehmer als der ärgerlich belanglose, verstrickt-vermurkste dritte Teil. Die originelle Rasanz und sehr gelungene Unterhaltung der ersten beiden Teile kann in Teil 4 allerdings bei weitem nicht mehr erreicht werden. Fremde Gezeiten rechtfertigt teure Preise und einen Kinobesuch kaum, ohne aber zu verärgern.

Zum Abschluß muß aber noch etwas zum Megastar gesagt werden: Johnny Depp ist in dem Film kaum mehr wahrnehmbar, seine Rolle bereits so selbstverständlich, der Witz seines Spiels bereits so ausgereizt, dass das eigentliche, gigantische Zugpferd der erfolgreichen Reihe kurioserweise nicht mehr für Highlights sorgt. Nicht Depp und Cruz, auch weniger Rush sind es, die diesen Film gerade noch so retten, sondern tatsächlich das junge Liebespaar und Ian McShane, sowie die streckenweise routiniert-gelungene Regie von Rob Marshall – letztlich natürlich auch der sympathisch-verschmitzte Grundton dieser Blockbustermarke – im Kern ist dieser 4. Teil aber auch nur so etwas wie ein völlig harmloser und unaufregender Sonntagsnachmittagsfantaysfilm – bloß enorm kostspielig produziert, lächerlich übertrieben beworben und daher ein risikolos geplanter Massen-Kinokassenerfolg.

Biutiful (Alejandro González Iñárritu) 5,45

2011-06-20T17:27:00.004+02:00

Die Todes-Trilogie ist abgeschlossen, die Erwartungen in Iñárritus Folgefilm durchaus hoch. Spannend vor allem die Frage, wie ein Film ohne seinen ehemaligen Drehbuch(mit) schreiber Guillermo Arriaga aussieht. In Biutiful, in dem es dann ja doch wieder und sogar noch vordergründiger als in der Trilogie ums Sterben geht, fehlt die Komplexität der Vorfilme, Javier Bardem steht klar im Mittelpunkt, er ist schwer krebskrank und auch sonst verläuft sein Leben trotz zweier Kinder sehr schlecht. Seine Frau ist schwer psychisch krank (bipolare Störung), auch deshalb steht vor allem die Sorge um die Zukunft seiner Kinder deutlich im Blickpunkt des Films.

Iñárritu will, auch ohne Arriaga, nicht ganz auf diverse Verknüpfungen von Uxbal (Bardem) aus zu anderen Charakteren verzichten, deshalb gibt es da auch noch diese chinesischen Arbeiter, die schwer ausgebeutet werden (und die, durch die Mitschuld Uxbals tragisch enden), und einen jungen Senegalesen, einen Freund Uxbals, der dealt, daraufhin des Landes verwiesen wird und seine Frau und ihr Baby zurücklassen muß: diese „Nebenschauplätze“ wollte Iñárritu also unbedingt einbauen, doch es gibt diesmal keine komplexe Verstrickung: die großartigen Episodenfilme Amores Perros, 21 Grams und Babel wurden ja nicht nur positiv aufgenommen und kritisiert, allerdings waren sie doch toll angelegt und leidenschaftlich. Vor allem diese Leidenschaft ist es, die Biutiful fast komplett fehlt. Das an und für sich höchst tragische Geschehen zieht eher emotionslos vorbei und in dieser Zähheit ist der Film tatsächlich zu lang.

Iñárritu gelingen zu wenig dieser elektrisierenden Szenen, für die er berühmt geworden ist (man müsste sich nur einmal den fiebrigen 21 Gramm im Vergleich nochmal ansehen); am stärksten ist der Film in den positiven Familienszenen, in den ganz leisen Momenten oder in der beklemmendsten Minute, wenn Uxbal seine Kinder von seiner Frau wegbringt. Doch die positiven Szenen können immer nur ganz kurz dauern, denn klar ist: es geht auch im vierten Iñárritu vor allem um existenzielle Tragik, um unheilbare Pein; das Glück und die Hoffnung schimmern immer nur kurz durch, bevor sie wieder zerschmettert werden…

Am Ende wird der Film sehr emotional (was auch klar ist), doch Iñárritu vergeigt das Ende: anstatt mit einem beklemmenden Gefühl der Unsicherheit über die Zukunft der Familie zu schließen, gibt es noch diesen (Pro-) und Epilog, Elemente der Hoffnung auf ein Leben auf einer anderen Ebene: ist jemandem wie Uxbal, der im menschlichen Leben so ein tragisches Schicksal hatte, wenigstens nach dem irdischen Tod Positives erlaubt? Iñárritu lässt Uxbal ohnehin auch schon davor mit Toten kommunizieren(!!), am Ende schwebt für eine Sekunde ein schwarzer Körper an der Decke, das wirkt alles sehr schräg inmitten des düsteren Handkamerarealismus und doch ist es im Grunde so bedeutungslos, dass man es kaum wahrnimmt.

Sicher ist der Film sehr persönlich, man kann es auch positiv auslegen, dass Iñárritu einen Schritt zurückgeht von seinen exaltierten, globalisierten Filmen und dieses Quasi Ein-Personen Stück sehr reduziert angeht, doch die anderen Ebenen sind da noch immer, wie ein Geschwür, das nicht weggehen mag: bloß wirkt alles so unausgegoren. Liegt das tatsächlich (nur?) am Fehlen Arriagas?

Das stäkste an den bisherigen Filmen des Mexikaners war diese Intensität, das Beklemmende, doch Biutiful ist nichts mehr davon; sicher eine tolle Rolle für Bardem, oft verdrängten Themen wie Krebs bei Männern oder psychische Erkrankungen wird im „großen Kino“ Raum gegeben, doch leider alles egal: selten hat sich Sterben im Kino so belanglos angefühlt.

AUN (Edgar Honetschläger) 6,72

2011-06-17T07:50:00.002+02:00

Es könnte schon der seltsamste und ungewöhnlichste Film des Jahres sein; der künstlerisch ambitionierteste und eigenwilligste ohnehin. In für sich genommen oft traumhaften Bildern und mit schwelgerischer Musik (von Christian Fennesz) erzählt Honetschläger mit dem hochtrabenden Untertitel Der Anfang und das Ende aller Dinge eine sehr metaphysisch-esoterische Fabel über besondere Energie…

Manchmal meint man, eine Art David Lynch Film zu sehen, nur ohne Alptraum, Gewalt und Verstörung, sondern eher auf eine durchaus auch beunruhigende, aber generell eher friedliche, meditierende Weise – trotz sehr schräger Figuren.

Honetschläger hat definitiv einen faszinierenden Film gedreht, der nur leider gleichzeitig aber auch immer mehr kalt lässt; dessen Ideen und Theorien man irgendwann kaum mehr folgen möchte, weil sie so dermaßen entrückt sind (leider ohne wirklich Spaß zu machen). Von einem Plot oder ähnlichem kann man beim besten Willen nicht sprechen – obwohl es ihn sogar gibt. Der Film ist dennoch richtiggehend hypnotisch und das ist schon sehenswert – ähnlich wie es streckenweise Enter the Void auch war. AUN ist aber im Vergleich der viel originellere Trip, auch wenn er im Gegensatz zu Noes überlangem Experiment gegen Ende eher an Reiz verliert anstatt zuzulegen. So bleibt nach dem Abspann eines leider auch im negativen Sinne echten Kunstfilms kaum Lust, sich noch näher damit zu beschäftigen, was auch an einer gewissen „Kälte“ des gesamten Produkts liegen könnte – zumindest erging es mir so.

Thor (Kenneth Branagh) 7,86

2011-06-16T09:35:00.004+02:00

Ein fast überraschend sehr charmanter Comic-Blockbuster: der Held ist trotz des geradezu grotesk gut gebauten Körpers und einem leicht naiv anmutenden Aussehen überhaupt nicht tumb (und kriegsgeil), sondern sehr smart – einer der vielen subtilen Vorzüge dieses äußerst sympathischen, stets unterhaltsamen Films. Man kann zwar weder behaupten, dass die Sprüche der Hammer wären, ein Feuerwerk an herausragenden Szenen wird auch nicht abgebrannt, aber die Mischung aus epischer Geschichte, ein bisschen Königs(-bruder)drama (bei Shakespeare-Experten Branagh natürlich gut aufgehoben), viel Augenzwinkern und sehr ansehnlicher Optik bzw. Set-Design macht viel Spaß.

Das Hin- und Herbewegen zwischen den Welten ruft manchmal Erinnerungen an die Tron Filme hervor – gegenüber denen Thor in seiner Gesamtheit doch deutlich besser (gespielt und inszeniert) abschneidet. Besonders reizvoll ist auch die Idee, den überstarken Helden die meiste Zeit ohne seine Kräfte durch den Film laufen zu lassen – was er aber mit viel Cleverness und Gewitztheit perfekt kaschiert. Dass ein-zweimal selbst für einen Fantasyfilm manches zu unrealistisch wird, ärgert nur minimal und ist auch gleich wieder vergessen. Einzig die Figur von Darcy, der neunmalklugen Praktikantin, ist fast zum Heulen. Den enormen Charme und die Originalität dieser Comicverfilmung (die auch noch spektakulär und dann schön schmachtig endet) können solche Kleinigkeiten jedoch nicht trüben.

Jiabiangou (Wang Bing) 8,15

2011-06-08T10:19:00.005+02:00

Der chinesische Regisseur ist für exorbitant lange, dokumentarische Werke bekannt - einen Stil, den man sich nach der Sichtung dieses „kurzen“ fiktionalen, auf sehr wahre (auch in Buchform behandelte) Begebenheiten bezogenen Films gut vorstellen kann. In den 50er Jahren des 20. Jahrhunderts ließ die chinesiche Regierung (vermeintliche) politisch abtrünnig Eingestellte („Rechte“) in einer abgelegenen Wüstenregion bis zur totalen körperlichen Erschöpfung, und auch bis in den Tod schuften, um sie „umzuerziehen“.

Der Regisseur zeigt diesen Lager-Wahnsinn in extrem nüchternen Bildern ohne Einsatz irgendwelcher Stilmittel, um eine möglichst realistische Wirkung zu erzeugen. Es gibt einige Szenen, die lange andauern, und so eindrücklich eine Ahnung davon vermitteln, wie schrecklich es dort zugegangen sein muß (wobei nichts „Sensationelles“ wie besondere Misshandlungen der Gefangenen passiert, sondern alleine das andauernde Arbeiten ohne richtig stärkende Nahrung und die trostlosen Ruhephasen diesen Schrecken spürbar machen).

Das Erdloch (Titel wörtlich übersetzt: "eingekeilt zwischen Gräben") ist beklemmend und manchmal geradezu unerträglich in der Dokumentation menschlichen Elends, es ist eine deutliche filmische Anklage eines unmenschlichen, grausamen Systems (mit einem minimal hoffnungsvollen Ende) – schlussendlich muß man aber auch anmerken, dass diese Art von Film kaum einen Unterhaltungswert oder abseits seines Statements auch kaum künstlerischen Wert besitzt – also Aspekte, die Filme ja eigentlich erst so richtig liebens-, bewunderns- und weiterempfehlenswert machen.

IL - Hathaway, Boorman, Seidl

2011-06-06T16:56:00.005+02:00

True Grit (1969) 7,83

Der Film also, der dem großen John Wayne seinen einzigen Oscar beschert hat; die Verfilmung eines Romans, den die Coens vor kurzem noch einmal verfilmt haben, daher gleich doppelt interessantes Westernmaterial: Eine Verbrecherjagd, die sich vor allem durch die Besonderheit der weiblichen Hauptfigur definiert und dadurch auch auszeichnet. Eine toughe 14-jährige (die übrigens als extreme Nervensäge und kaum liebenswert gestaltet ist, jedoch gleichzeitig einen ungemein starken Charakter hat und darstellt) will den Mörder ihres Vaters fangen und wenn es gut läuft, auch umlegen, wie es eben in der alten (Western-)Welt so üblich sein mag. Durch die scheinbare, irritierende Unvereinbarkeit der Zeichnung einer hart-brutalen, wie selbstverständlich Todesstrafe-affinen Gesellschaft mit einer kindlich-naiven Weltsicht erhält der Film eine so noch nicht erlebte Spezialität, die ihm etwas ungemein Faszinierendes verleiht, das tief unter die Oberfläche der spaßig-rauen Unterhaltung reicht, die er ebenso bieten kann. Man kann nicht sagen, ob es ein leicht verträgliches, jugendtaugliches Werk mit wenigen brachialen Einsprengseln ist oder doch eher ein klassischer „Männer-Western“ mit völlig ungewohntem kindlich-auflockernden Humor.

Diese Mischung aus altbackener Sonntagnachmittagsfilm-Romantik und "argen" Gewohnheiten aus einer früheren Zeit (wie dem in der Männergesellschaft bereits völlig akzeptierten und respektierten Mädchen plötzlich ausführlich den Hintern zu versohlen bzw. anderweitig wie ein „Kind“ zu behandeln) die der Film, der selbst ja in einer durchaus modernen (Film-)Zeit entstand, immer wieder transportiert, ist bemerkenswert.

Schön ist an diesem sehr speziellen Western unter vielem anderem auch, wie lange es dauert, bis die Hatz mal losgeht (vielleicht vergleichbar mit dem französischen Thriller-Klassiker Lohn der Angst) - 45 Minuten dauert die Exposition, die auch ein Charakteristikum des Films bereits deutlich formuliert: Der Marshal - wie schon bei dem jüngst besprochenen Der Teufelshauptmann übrigens reduziert der deutsche Titel kokett-lakonisch auf John Waynes Grad - ist sehr gemütlich und laid back. Wayne genießt es, seine Rolle komisch und selbst-parodistisch anlegen (wenn auch selbstverständlich nur so weit wie möglich, denn in den Momenten, in denen es drauf ankommt, ist er trotz Suff und sanfter Witzfigur dann wieder ultratough bzw. der klare Chef im Sattel…)

Zardoz (1974) 8,85

Unglaublich schräg ausufernde Sci-Fi, die in ihrer irren Ausstattungswut und Bilderflut ein bisschen an die Jodorowsky Filme erinnert, aber trotz allem noch wesentlich geradliniger und konventioneller ist – obwohl diese Worte doch völlig fehl am Platz sind. Die abgefahrene Revolutionärsgeschichte und ihre vielen Subthemen ausführlich zu beschreiben, würde diesen Rahmen völlig sprengen, außerdem ist der Film bei einmaligem Anschauen kaum erfassbar – teilweise hat Boorman dieses irre Werk auch ermüdend mit Verrücktheiten angereichert, aber letztlich ist Zardoz gerade dadurch auch sehr sehenswert geworden.

Der Busenfreund (1997) 6,65

Man merkt diesem Porträt eines selbstbewussten und genüßlich selbstdarstellerischen Sonderlings mit Dauer an, dass vieles gestellt ist und das nimmt viel von dieser typisch faszinierend-abstoßenden Wirkung von Seidls sonstigen (späteren, gespielten) Filmen. Der titelgebende Freund aller weiblichen Aspekte, besonders jener von Senta Berger, suhlt sich richtig in seinen verrückten Ausführungen und genau das Selbe macht auch Seidl selbst, mit stilisierten Bildern der sich stapelnden Zeitungen des ultraschrägen Eigenbrötlers usw…

Dennoch hat diese Art, Leute zu filmen und ihnen ehrlich und konzentriert Raum zu geben (anstatt TV-Report mäßig irgendetwas zusammenzuschneiden und überzudramatisieren) etwas und man merkt diesem früheren Werk schon ein bisschen an, dass Seidl später mit diesem Blick für und auf Außenseiter den urmenschlichen Voyeurismus und das Gefühl der Beklemmung beim Zuschauen genial zusammenführen wird…

Into Eternity (Michael Madsen) 7,11

2011-06-03T23:24:00.004+02:00

Eine Doku aus der Zukunft: berichtet wird aus einem und über ein finnisches Atommüll-Endlager. Regisseur Madsen tritt dreimal selbst auf, im Dunkeln philosophierend, beleuchtet nur von einem Streichholz, das langsam verglüht. Ja, diese eigenwillige Doku gibt sich sehr kunstbetont, immer wieder gibt es lang-elegische Kamerafahrten oder kunstvolle, manchmal fast unheimlich arrangierte Szenen – die auch beeindrucken, keine Frage. Dazwischen, und in diesen Momenten ist es eine Doku wie viele andere auch, werden talking heads gezeigt - Wissenschafter u.ä. zu dieser Form der Lagerung befragt, und zwar immer mit dem tiefsinnigen Gedanken an die ferne Zukunft: was passiert denn mit diesem ganzen hochgefährlichen Müll in 1000, in 10.000, in 100.000 Jahren?

Madsen stellt verschiedene Aspekte zur Diskussion, etwa die Frage, ob Sprache in dieser Zukunft noch existiert – um vor dem gefährlichen Müll zu warnen (etc.). Das ist einerseits spannend, wirkt aber manchmal auch etwas zu philosophisch für ein Thema, das man auch pragmatischer angehen könnte. Manchmal übertreibt es der Regisseur ein wenig mit stark selbstgefällig wirkender Coolness („wir müssen uns erinnern, zu vergessen“). Dennoch einmal eine Dokumentation (zu einem höchst aktuellen Thema), die faszinierend anders ist.

Folge mir (Johannes Hammel) 7,61

2011-06-02T21:03:00.004+02:00

Könnte man nach dem unheimlichen, rätselhaften Vorspann noch einen sehr mysteriösen „Kunstfilm“ erwarten, zeigt sich recht schnell, dass hier eine allzu realistische Familiengeschichte im Mittelpunkt steht. Der kleine Pius leidet unter der streng katholischen Erziehung seiner psychisch nicht ganz sattelfesten Eltern. Ist er mal nicht zuhause, gibt es im Film keine wirkliche Erholung für ihn, sondern bloß einen krassen Religionslehrer, der gemütlich von göttlicher Liebe und Frieden faselt, während er die SchülerInnen mit perfide-terrorisierenden Machtspielchen quält.

Als psychisch nicht ganz sattelfest wurden die Eltern soeben beschrieben, doch die Mutter, die neben Pius das Zentrum des Films bildet, wirft eine Erkrankung dann völlig aus diesem Sattel. Dies setzt Hammel mit originären filmischen Mitteln um: die Schizophrenie (im ursprünglichen Wortsinne: Zwiegespaltenheit) der Mutter spiegelt sich in der Machart des Films gleich auf mehreren Ebenen wider: Die triste Filmrealität ist in Hochglanz Schwarz-Weiß gehalten, während Träume von oder Erinnerungen an schönere Zeiten in Farbe in körnigem 8mm-Farbfilmmaterial gezeigt werden, und zwar sind dies originellerweise Privataufnahmen des Regisseurs aus seiner (angeblich unbeschwerten) Kindheit. Darüberhinaus wird die gespaltene Persönlichkeit der Mutter (was zunächst kaum wahrnehmbar ist) konsequent von zwei verschiedenen Schauspielerinnen verkörpert – auch dass dies die Umsetzung zwei verschiedener Altersstufen (und daher so etwas wie die kranke und die geheilte Mutter) ist, scheint möglich bzw. wird vom Regisseur selbst in einem Interview ins Spiel gebracht.

Die subtilste Form dieser filmischen „Schizophrenie“ ist aber, dass die Mehrzahl der Filmfiguren deutlich österreichisch spricht, Wohnort und einzelne Symbole aber klar auf Deutschland deuten – ein irritierendes, aber spannendes Stilmittel in einem außergewöhnlichen, ungewöhnlichen Film, dessen Hochglanzästhetik zunächst noch etwas mau wirkt, aber mit der Zeit immer beeindruckender gerät. Folge mir ist ein originäres Kunstwerk, was nicht heißt, dass der Film durchgehend begeisternd oder völlig überzeugend ist, seine Kernthemen sind im Kino auch alles andere als völlig unverbraucht. Dennoch ist Hammel, auch mithilfe seiner teilweise hervorragenden Schauspieler, ein schönes, spezielles Kinoerlebnis gelungen (erwähnenswert auch ein beeindruckender Ausraster des sonst ruhig gezeichneten Vaters!), ein Film mit einer so noch nicht gekannten Aura, eine (vermutlich ziemliche) Low Budget Arbeit mit dem Atem großen Kinos.